superloyds (un superhéroe vuelta y vuelta)

La resurrección

2010-08-15T22:18:00.000+02:00

A todos los demás

2008-11-03T09:55:00.001+01:00

Que acompañaron estos tres años: los que se divirtieron, los que putearon, los que comentaron, los que criticaron, los que linkearon, los que ignoraron. Gracias, por mantener flameando la bandera de superloyds...

pd: para aquellos asustadizos, el que muere es el blog, el personaje superloyds, el loyds a secas seguirá pateando anónimamente las calles de la ciudad de la furia.

Autocrítica

2008-11-01T00:01:00.002+01:00

Perdón Petit (principalmente).
Perdón Simona.
Perdón Chica 29.
Perdón Gauchita.
Perdón Sudokita de Hielo.

Llega noviembre y probablemente no vuelvan a verme...

Me voy bastante lejos esta vez.

Bomba de humo.

Chau.

Richard's night

2008-10-31T17:02:00.001+01:00

Los gran DT's

2008-10-31T10:05:00.000+01:00

Que vuelva la mística...

Cuándo podrás amar...

2008-10-30T18:59:00.000+01:00

Sin tantos complejos...

Desde el subsuelo al piso 25

2008-10-29T15:02:00.000+01:00

"Hum -dicen ustedes-. Nuestros deseos son equivocados con gran frecuencia, porque nosotros nos equivocamos en la valoración de nuestros intereses. Aspiramos a cosas inconvenientes porque nuestra estupidez nos hace creer que pretendemos lo que nos conviene. Peor cuando nos lo hayan explicado todo, cuando todo se haya puesto en orden y fijado previamente (lo que es muy posible, pues es una tontería creer que ciertas leyes de la naturaleza van a ser siempre indescifrables), es evidente que ya no habrá sitio para los deseos. Si nuestra voluntad se enfrenta con nuestra razón, podremos razonar y no desear, ya que a un ser que razona le es imposible desear estupideces, ir conscientemente en contra de la razón, perjudicándose a sabiendas..."... Pero la razón es la razón, y sólo satisface a la facultad razonadora del hombre. En cambio, el deseo es la expresión de la totalidad de la vida humana, sin excluir de ella la razón ni los escrúpulos; y aunque la vida, tal como ella se manifiesta, suela tener un aspecto desagradable, no por eso deja de ser la vida y no la extracción de una raíz cuadrada. Yo deseo vivir dando satisfacción a todas mis facultades vitales y no únicamente a mi facultad de razonar, que no representa, en suma, sino la vigésima parte de las fuerzas que hay en mí. ¿Qué sabe la razón? Únicamente lo que ha aprendido (nunca sabrá más, seguramente. Esto no es un consuelo, pero no hay que disimularlo). En cambio, la naturaleza humana obra con todo su peso, por decirlo así, con todo su contenido, a veces con plena conciencia y a veces inconscientemente. Comete algunas pifias pero vive...

Pero díganme: ¿en qué se fundan ustedes para estar convencidos de que sólo es necesario lo normal, lo positivo, el bienestar en una palabra? ¿Acaso la razón no se equivoca en sus apreciaciones? Es posible que el hombre desee únicamente el bienestar. Pero ¿no es igualmente posible que desee el sufrimiento? ¿Acaso sl sufrimiento no podría ser para él ventajoso como el bienestar? El hombre, a veces, desea apasionadamente el sufrimiento: está comprobado. No hay necesidad de ir a consultar sobre este punto a la historia universal. Pregúntenes ustedes a sí mismos; les bastará ser hombres para responderse, por poco que hayan sufrido. Si quieren conocer mi opinión personal, les diré que es incluso inconveniente desear únicamente el bienestar. ¿Esto está bien?, ¿está mal? No lo sé. Pero lo cierto es que a veces resulta en extremo agradable romper algo. No es que yo defienda precisamente el sufrimiento o el bienestar: lo que defiendo es mi capricho, y lucharé, si es preciso, para que se me garantice.

F. Dostoievski, Memorias del subsuelo.

Una semana más...

2008-10-27T17:47:00.000+01:00

En el piso 25.
Yeah.

señales, berrinches, whatever

2008-10-24T09:29:00.001+02:00

No te fíes si te juro que imposible
no dudes de mi duda y mi quizás,
el amor es igual que un imperdible
perdido en la solapa del azar.

La luna toma el sol de madugrada
nunca jamás quiere decir tal vez,
la muerte es una amante despechada
que juega sucio y no sabe perder.

Estoy tratando de decirte qué
me desespero de esperarte,
que no salgo a buscarte porque sé
que corro el riesgo de encontrarte,
que me sigo mordiendo noche y día
las uñas del rencor,
que te sigo debiendo todavía
una canción de amor.

No corras si te llamo de repente
no te vayas si te grito pierdete,
a menudo los labios más urgentes
no tienen prisa dos besos después.

Se aferra el corazón a lo perdido
los ojos que no ven miran mejor,
cantar es disparar contra el olvido
vivir sin ti es dormir en la estación.

Estoy tratando de decirte qué...

La pared

2008-10-23T19:04:00.002+02:00

Evidentemente, no podré romper ese muro con la cabeza, ya que mis fuerzas no bastan para ello; pero me niego a humillarme ante ese obstáculo por la única razón de que sea un muro de piedra y yo no tenga fuerzas para salvarlo.
¡Como si ese muro pudiera procurarme alguna paz! ¡Como si uno pudiera reconciliarse con lo imposible por la sóla razón de que se funda sobre el "dos y dos son cuatro"! ¡Es el mayor absurdo que puede concebirse!
¡Cuánto más penoso es comprenderlo todo, tener conciencia de todas las imposibilidades, de todos los muros de piedra, y no humillarnos ante ninguna de esas imposibilidades, ante ninguna de esas murallas si ello nos repugna! ¡Cuánto más penoso es llegar, siguiendo las deducciones lógicas mas ineludibles, a la posición más desesperante respecto a ese tema eterno de nuestra parte de responsabilidad en la muralla de piedra (aunque está claro hasta la evidencia que no tenemos nada que ver con eso), y, en consecuencia, sumergirnos, en silencio pero rechinando los dientes con voluptuosidad, en la inercia, sin dejar de pensar que ni siquiera podemos rebelarnos contra nadie, porque, en suma, no tenemos enfrente a nadie! ¡Y nunca lo tendremos, porque todo es una farsa, un engaño, un galimatías! No sabemos "qué" ni "quién", pero, a pesar de todos esos engaños y de toda nuestra ignorancia, sufrimos, y tanto mas cuanto menos comprendemos.

F. Dostoievski, Memorias del subsuelo.

Miércoles mudo

2008-10-22T15:56:00.000+02:00

Don't Stop

2008-10-21T09:49:00.000+02:00

Uruguay

2008-10-20T20:27:00.000+02:00

¿Y después qué?

Una merengada

2008-10-15T17:45:00.000+02:00

en la cabeza...

Sin saber qué decir

2008-10-14T11:02:00.001+02:00

Nunca pensé
que pudiera llegar
a decírtelo así
buscate otro lugar.

Tú ya sabes cómo soy
tener que decir la verdad.
No sé si elegí la mejor ocasión
pero nunca te quise dañar...

Se acabó
ya no era igual
no quiero estirar el final.
Ahora la noche ocupó tu lugar
y hoy no te quisiera encontrar...

Lo siento, me tengo que ir...
Ahora nadie me espera
sin saber qué decir...

Qué sucedió
qué pasó no lo sé.
Sólo Dios es testigo
de cuánto te amé.

Quisiera dormir pero no lo consigo
no puedo parar de pensar
que ayer estabas aquí conmigo
y hoy no te quisiera encontrar...

Lo siento, me tengo que ir...
Ahora nadie me espera
sin saber qué decir...

Naciendo de nuevo

2008-10-13T21:08:00.000+02:00

Como no hallo nada sobresaliente que contar de mi vida, no me queda más que esto de los nacimientos, pues ahora me ocurre otro: comienzo a ser autor. De la abogacía me he mudado; estoy recién entrado a la literatura (¡muchas gracias!, dijo la abogacía; ¡nadie me asuste!, dijo la literatura; ¡conmovedor!, dijo la todo es lo mismo impasibilidad) y como ninguno de la clientela mía judicial se vino conmigo, no tengo el primer lector todavía, de manera que cualquier persona puede tener hoy la suerte, que la posteridad le reconocerá, de llegar a ser el primer lector de un cierto escritor. Es lo único que me alegra cuando pienso la fortuna que correrá mi libro: "no toda es vigilia la de los ojos abiertos". No se olvide: soy el único literato existente de quien se puede ser el primer lector. Pero además mi libro, y es más inusitado esto todavía, es la única cosa que en Buenos Aires puede encontrarse aún no inaugurada por el Presidente.

Macedonio Fernández, Autobiografía. Pose n° 1.

Todo llega

2008-10-12T18:08:00.000+02:00

Gracias madder

La tregua

2008-10-11T04:23:00.005+02:00

Sumergido en profundas cavilaciones, Otto viaja en piloto automático. En el fondo las voces de los niños se disuelven entre el sonido ambiente y una música ininteligible. La mirada perdida de Otto busca respuestas en las líneas blancas de la panamericana. ¿En qué se acerca y en qué se diferencia la noción de distanciamiento de Brecht de la noción de extrañamiento de Shklovski? ¿Será que soy demasiado bueno y ellas se dan cuenta? Las dos son difíciles, más para un tramo tan corto y con poco tráfico. Las voces comienzan a apagarse. El auto recalienta, está pidiendo un cambio, en ambos sentidos literales de la palabra. El capitán Otto, en el espacio. Como el sordo pancho, que nadie sabía que era sordo. Ni pancho. Uó o o o ó, uó o o o ó. Esa música que a veces nos trae de vuelta. Suena. O satura. O las dos cosas. O son coros. Uó o o o ó, uó o o o ó. Hay algo más allá de las cosas, del viaje, algo que también canta. No esperes nada de mí, no esperes nada de mí. El ritmo es pegadizo, la canción invita, aunque digan que la música disco murió en los '80. Uó o o o ó, uó o o o ó. Otto sale poco a poco de su letargo, sus dedos tamborilean sobre el volante. El acompañamiento no está mal tampoco. Entonces mira por el espejo retrovisor y lo ve. Al niño sexto sentido, cantando a los gritos: microdancing, microdancing. Y los dos sonríen.

No sé si es bairez o madriz

2008-10-10T11:39:00.001+02:00

Bonus track
(personas que no voy a olvidar
aromas que me quiero llevar)

Si no, se las lleva el viento

2008-10-09T19:01:00.001+02:00

Las palabras de los individuos, sus sentimientos y pensamientos meramente subjetivos sólo muestran su verdad o falsedad, su veracidad o su mentira, su grandeza y su limitación, cuando se traducen en práctica: cuando se afirman en los actos y las acciones de los individuos, o cuando estos actos y acciones muestran su fracaso frente a la realidad. Solamente la práctica humana puede mostrar concretamente la naturaleza de los individuos. ¿Quién es valiente? ¿Quién es bueno? Semejantes cuestiones las contesta exclusivamente la práctica.
Y solamente por esto resultan los individuos interesantes unos para otros. Solamente por esto son merecedores de que se los plasme poéticamente.

Georg Lukács, ¿Narrar o describir?

No sé si es bairez o madriz

2008-10-09T09:54:00.002+02:00

Un amor civilizado, no.
Cortarme la coleta, menos.
Llegar a fin de mes, nunca.
¿Por qué lo hiciste? ¿Importa?
Contigo, sin ti, no quiero o no sé.

Lo que quería, corazón cobarde,
muchacha de ojos tristes:
que murieses por mí...

Sencillo y utópico

2008-10-08T13:34:00.000+02:00

¡Ah!, si pudiera hacer esta frase: "Ella cree en mí, como yo creo en ella", ¡este mundo sería el paraíso terrenal!

Lucio V. Mansilla, ¿Si dicto o escribo?

Demasiado tarde

2008-10-07T00:09:00.000+02:00

No tengo nada que perder
pero para algunas cosas es
demasiado tarde.

El sol empieza a salir
no puedo dormir
estoy solo.

Es demasiado tarde
para arrepentirse mujer.
Es demasiado tarde
para nosotros dos.

Cuando el tequila terminé
en algunas cosas dejé de confiar
fueee demasiado tarde
pero fueee demasiado tarde.

Es demasiado tarde
para mentirse mi amigo.
Es demasiado tarde
para cambiar el destino.

No tengo nada qué decir
ni donde ir ni ganas de dormir.

Es demasiado tarde
para arrepentirse mujer.
Es demasiado tarde
para nosotros dos...

Si sos idiota bancatelá

2008-10-05T13:19:00.001+02:00

Mañana voy

2008-10-02T11:13:00.000+02:00

Entre el sentimiento y el qué dirán

2008-09-30T15:37:00.000+02:00

La versión argentina de Gorda, esa gran obra del estadounidense Neil Labute, aparece muy afilada, no sólo por la calidad general de sus intérpretes, sino también porque el director Daniel Veronese le imprime una mirada local, contemporánea y perfectamente reconocible en nuestra sociedad.
Dividida en siete actos concatenados mediante la acertada escenografía rotatoria de Alberto Negrín, la historia transcurre a partir del encuentro casual entre Tommy y Helena: él caerá cautivado por la personalidad de esa chica distinta, en todo el sentido de la palabra, a lo que estaba acostumbrado.
A partir de allí deberá lidiar con los prejuicios propios y de su entorno laboral, que lo llevarán de aquí para allá en una oscilación emocional interminable. Y los rutilantes y crudos diálogos, si bien parten encarados desde el lado cómico del asunto, seguramente dejarán pensando a más de uno.
Es impecable el trabajo de Goity, sobre todo en lo humorístico. La Helena de la catalana Mireia Gubianas está llena de gracia y desparpajo y el oficio de Jorge Suárez le sobra para encarnar a su frívolo oficinista. Y María Socas, si bien con algún desajuste, logra completar un elenco casi sin fisuras en una puesta magnífica.

(publicado en www.ocioenbsas.com.ar)

Superloyds en la antología del Buk madrileño

2008-09-29T17:01:00.000+02:00

Hacé que la noche venga, Tigre

2008-09-25T14:34:00.000+02:00

El ojo de Petit

2008-09-24T16:11:00.000+02:00

La Siesta, en algún lugar del norte argentino.

Tonight

2008-09-24T13:48:00.008+02:00

LOS MUDOS - narrativa que no sescucha

lee / Matías Gómez / recita / Sasa Guadalupe / música / Los Mudos /organiza / Funeschi / www.losmudos.blogspot.com / dónde / CC ZAS -Moreno 2320 - Congresín

vamos a regalar discos de Facundo Gorostiza ("Chiches Chiquitos") y un par de libros y entradas al teatro, además de los 2 litros de amor por noche de Mudos.

En venta libros:
Editorial Tamarisco
Editorial Funesiana
"El impulso nocturno" y "Tres mundos" del Grupo Alejandría

En venta revistas:
Revista La Quetrófila
Revista Diez Pinos
Revista Asesinos Tímidos

Fito Páez íntimo en La Trastienda

2008-09-23T17:25:00.001+02:00

El siempre vigente músico rosarino brindó una serie de conciertos a sala llena, en un formato íntimo, con un piano de cola en un cuadrilátero en el centro de la escena, a modo de ring de box, y vestido impecablemente de traje y corbata. Interactuando en todo momento con un público muy animado que celebró cada una de sus interpretaciones, Páez abrió con Cae la Noche en Okinawa, de su último álbum Rodolfo, para luego hacer un repaso por los numerosos hits que alberga su repertorio, mientras invitaba generosamente a distintos invitados a tocar sus temas y también los de ellos.
Se sucedieron entonces Eso Que Llevas, Carabelas Nada, perfectamente enganchada con Amor de Primavera, de Tanguito, la preciosa B. Ode y Evelyn y La Verónica, ambas ejecutadas junto a su cumpa rosarino Carlos Vandera y otro genial enganche entre las clásicas Ámbar Violeta y Cable a Tierra, ésta última coreada por la audiencia en pleno.
Con Claudia Puyó hizo Dos Días en la Vida y Maldigo del Alto Cielo, esa enorme canción de Atahualpa Yupanqui que cantaba Violeta Parra. Y siguió con Waltz for Margie, una deliciosa pieza instrumental dedicada a su hija Margarita, a modo de introducción a la gran 11 y 6. Interpretó entonces Decisiones Apresuradas junto a su coterráneo Gonzalo Aloras y, del disco La la lá, grabado a medias con Luis Alberto Spinetta, Dejaste Ver tu Corazón, acompañado de una Emme algo errática.
Llegaron luego esa gran letra que es Al Lado del Camino, ovacionada por la gente y, en compañía de otro rosarino, el guitarrista Coki de The Killers Burritos, una versión muy stone de Lejos en Berlín. Fue el turno de una bellísima ejecución de Detrás del Muro de los Lamentos y, posteriormente, apoyado en una joven banda integrada por instrumentos como el charango, el cajón peruano y el trombón, de Sasha, Sissí y el Círculo de Baba.
Para el cierre, en uno de los pasajes más altos del concierto, Páez eligió una seguidilla compuesta por La Rueda Mágica, ese himno del disco Ey! que es Polaroid de Locura Ordinaria, la oscura y gigante Ciudad de Pobres Corazones y, mucho más optimista, A rodar mi vida.
En el bis, más clásicos: Yo Vengo a Ofrecer mi Corazón, cantada totalmente a capella, la preciosa Brillante Sobre el Mic y las más poperas Dar es Dar y Mariposa Tecknicolor, intercaladas con un feliz homenaje al maltrecho Charly García, que incluyó una versión exquisita de Desarma y Sangra, ese maravilloso tema de Serú Girán. Y con un solo de piano dio punto final a un show larguísimo que dejó a su público encantado.

(publicado en http://www.ocioenbsas.com.ar/)

El ojo de Tiza

2008-09-22T16:35:00.001+02:00

Pegale vos Loyds !

El ojo de Mati

2008-09-22T09:44:00.000+02:00

Para ver más postales surfísticas de Rosa: acá

El ojo de Mery

2008-09-19T16:47:00.000+02:00

De la serie "Quequén", por María Uhart. Para ver más: acá

Ponele un cuadro nene

2008-09-18T11:17:00.000+02:00

Porque buscando tu sonrisa estaría toda mi vida

2008-09-16T10:05:00.000+02:00

Quiero ser el único que te muerda la boca,
quiero saber que la vida contigo no va a terminar.
Porque de esta vida no quiero pasar un día entero sin ti.
Porque mientras espero por ti me muero,
no quiero seguir así...

FELIZ CUMPLE MAITULA !

2008-09-11T15:51:00.000+02:00

Pedí el nro. de septiembre en tu kiosco amigo

2008-09-10T13:45:00.000+02:00

Esta noche: fiesta vichera

2008-09-05T10:30:00.000+02:00

Motivos para no enamorarse

2008-09-04T16:40:00.000+02:00

El director Mariano Mucci aborda en su cuarta película el género de comedia romántica que viene haciéndose un espacio en el cine nacional. Y el film marca el debut de Celeste Cid en la pantalla grande, en el papel de Clara, una joven torpe, insoportable y encantadora a la vez, que va abriéndose paso a tropezones por la vida. Sin mucha suerte irá perdiendo lo poco que tiene pero, en contrapartida, acudirá en su auxilio un hombre maduro, estructurado y misterioso, encarnado por ese actorazo que es Jorge Marrale.
Si bien la historia es bastante previsible, por momentos inverosímil y plagada de lugares comunes (el beso bajo la lluvia, el amor frente al hogar crepitante), es precioso el tratamiento que Mucci brinda a cada imagen, a sus colores, a su luminosidad, especialmente en las partes rodadas en Villa Gesell. En ese sentido no es casual la elección de Cid, que si bien en algunos pasajes aparece algo afectada en su hablar consigue, a través de su bellísimo y expresivo rostro que ilumina por sí solo la pantalla, cautivar al espectador, ayudada también por su vivaz vestuario y su original corte de pelo a lo Audrey Tautou.

(publicado en La Guía del Ocio en Buenos Aires, edición de septiembre)

El viernes toca El Quinteto

2008-09-03T00:38:00.000+02:00

LLL

2008-09-02T10:00:00.000+02:00

tal vez nunca sucedió
quizá sí
pero no fue igual
¿reciprocidad se dice?

diez años después
los pliegues imperfectos
me conmueven tanto
que no puedo pensar

el sexo silencioso y
esas manos bajo el edredón
transpirado de amarillo
son invencibles

hay que estar enfermo
para salir a pasear
el perro a la 1 de la mañana
para manejar sin rumbo

y yo soy un enfermo
terminal me muero
mirando esa sonrisa para abajo
esos ojos cansados incondicionales

sin siberia ni tren
sin más que lo que siento
entre mofletes me inmolo
para siempre...

BienvenIndio

2008-09-01T00:47:00.000+02:00

Bernard Fowler, corista de los Rolling Stones

2008-08-27T17:04:00.001+02:00

Sacudiendo las trenzas al ritmo de su pandereta, el enorme y moreno corista de la más legendaria banda de rock se presentó en un ND Ateneo casi completo, para seguir compartiendo con su fiel público porteño su álbum solista Friends With Privileges.
Secundado por una prolija banda local, integrada por Ramiro Gómez y el virtuoso Gonzalo Lattes en guitarras, Omar Serna en teclados, Sebastián Ayala en batería y el glamoroso bajista Zorrito Von Quintiero, arengó constantemente a un público que encontró exactamente lo que había ido a buscar: rock & roll en general y Rolling Stones en particular.
Alguno podrá decir que el repertorio fue excesivamente stone para un músico solista con aspiraciones de desarrollar una carrera solista, y tal vez sea cierto. Pero no menos cierto es que Fowler logró crear un ambiente de ritual con los asistentes al concierto, que celebraron largamente cada uno de los temas ejecutados y con enorme gusto se dejaron seducir por su carisma.
Con reminiscencias de Jagger, el moreno es un derroche de histrionismo: baila, juega e interactúa con su público, lo hace cantar o ponerse de pie, susurra, ríe y se divierte. Y se suceden en escena la clásica Miss You, la poderosa You Got Me Rockin, una improvisada versión casi a capella de As Tears Go By, las maravillosas Beast of Burden, cantada con pasión, y Wild Horses, con un toque más personal.
La banda luce ensamblada y suena bien en general, destacándose en sus solos el guitarrista Lattes. Pero hay lugar también para músicos invitados, suben primero los vientos de Los Auténticos Decadentes, Pablo Rodríguez (saxo) y Ariel Tenenbaum (trompeta), sumándose luego un Sarcófago algo errático pero reiteradamente ovacionado por el público.
De su disco Friends With Privileges, suenan New York Time y Get Away, intercalados con más fiesta stone: She´s So Cold, terminada en gran forma, Can´t You Hear Me Knocking, con algún problema de sonido y un saxo muy logrado y, ya en el final, She Was Hot y una interminable Jumpin Jack Flash que llevó a la gente a su punto más alto de euforia.
La perla: una impecable versión tocada a poco de iniciado el concierto, con solo de guitarra incluido, de Red House, esa bellísima canción de Jimi Hendrix.

(publicado en http://www.ocioenbsas.com.ar/)

La Vela Puerca

2008-08-26T17:17:00.001+02:00

La más popular banda charrúa del momento se presentó nuevamente en Buenos Aires, con 4 shows a lleno completo en el Estadio Pepsi Music (Obras). Respaldados por una escenografía notable y un poderoso juego de luces, los muchachos liderados por los cantantes Sebastián "Enano" Teysera y Sebastián "Cebolla" Cebreiro brindaron más de dos horas de canciones frente a un público muy ferviente.
Todo empezó 40 minutos después de la hora señalada con Va a Escampar, fuertemente apoyada en los solventes vientos de Carlos Quijano (saxo) y Alejandro Piccone (trompeta), ambos de gran protagonismo durante todo el concierto. Le siguieron tres canciones del álbum De Bichos y Flores (2001): la poderosa Mañana, cantada a dos voces, El Ojo Moro, que llevó a la gente a hacer los coros y el primer gran pogo de la noche y, luego de saludar a su audiencia, la bellísima El Huracán.
Y volvieron al disco A Contraluz (2004), al que pertenece el tema inaugural, con Escobas, ocasión que Teysera, lookeado a lo Bruce Springsteen, halló propicia para explicar por qué lucía su mano izquierda entablillada. Gente, del cd debut Deskarado (1998/99), fue el prólogo para más temas de De Bichos y Flores: Rebuscado, con gran protagonismo de un movedizo Cebreiro con su cabeza cubierta por un gorro de lana, y Burbujas, muy bailada por ambos cantantes y cantada por todo el estadio.
Fue el turno entonces del último álbum El Impulso (2007), porque los uruguayos hicieron Neutro, con gran lucimiento de los vientos, Sanar, acompañada del recitado de los versos del poema de Miguel Hernández ("Tristes hombres si no mueren de amores. Tristes, tristes"), muy aplaudido por el público, Me pierdo, rodeada de hermosas imágenes en pantalla gigante, y El Señor.
Con el grueso de la gente ya entregada de lleno al pogo que abarcó al sector campo casi en su totalidad, llegaron más clásicos: primero Doble Filo y luego Dice y A lo Verde, con la presencia de los invitados Guzmán Mendaro, violero de Hereford, y Denis Ramos, trombonista de No Te Va Gustar, la otra banda uruguaya más famosa, respectivamente.
Hubo tiempo para un gran solo de trompeta de Piccone en Por Dentro y para que la fiesta llegue aún más arriba con Caldo Precoz, Sin Palabras, Haciéndose Pasar por Luz y Clarobscuro, cuatro más de esa joya que es el disco A Contraluz. Y luego llegaron más canciones de El Impulso: Su Ración, la potente Colabore, con Osvaldo Garbuyo, cantante de Bufón, grupo charrúa telonero de la noche, como invitado, y La Sin Razón.
Al momento del himno velero, Vuelan Palos, hecho en formato acústico, el clásico vamos la vela de mi corazón fue cantado fervientemente por el estadio en pleno, al igual que Mi Semilla, otro tema del álbum debut, cantado por Teysera sentado sobre el borde del escenario. Un gaitero con vestimenta escocesa abrió y cerró el tema siguiente, Por la Ciudad, que llevó al poderío de la banda a su punto más alto junto con Alta Magia y De tal Palo tal Astilla, dos más de Deskarado.
Y llegó el otro himno: Zafar, con el público delirando en una fiesta generalizada y la prolija ejecución de los instrumentos de viento. Lamentablemente, el final se vio algo empañado por la aparición de un carterista entre la gente, que fue repudiada por los propios músicos desde el escenario (la banda se disculpó con sus fans por este suceso en su página web).
Pero con el bis todo quedó olvidado, porque los fanáticos veleros no dejaron de saltar y cantar durante los tres últimos temas: Potosí, El Viejo y El Profeta (con Teysera en la armónica), todos pertenecientes a De Bichos y Flores. Y fue panza llena de música por igual para músicos y público, porque fue un show interminable y poderoso.

(publicado en http://www.ocioenbsas.com.ar/)

Elecciones 2008

2008-08-25T00:05:00.000+02:00

En siete días
se va otro tren.

Y este es el último.

A morir

2008-08-22T16:19:00.000+02:00

Tristes hombres
si no mueren de amores.
Tristes, tristes.

Miguel Hernández

Look how they shine for you

2008-08-19T19:13:00.000+02:00

The Pillowman

2008-08-15T17:00:00.000+02:00

Ver la versión de The Pillowman (El Hombre Almohada) de Martín McDonagh, que se da por estos días en el Teatro Lola Membrives, resulta una experiencia a todas luces enriquecedora. Es que no es fácil abordar una historia tan densa, con una temática tan delicada (y tan vigente por estos días) como lo es el maltrato y abuso de niños. Pero la puesta de Enrique Federman no sólo logra salir airosa de la prueba sino también emocionar y hacer reír al espectador.
Katurian Katurian es un escritor de relatos que resulta detenido en un estado totalitario no identificado. Dos rústicos policías lo someten a un interrogatorio lindante con la tortura, a raíz de que una serie de niños han sido asesinados en forma tan terrible y sangrienta como ocurre en las historias que él escribe. Michal, el hermano espástico de Katurian, es el fanático número uno de sus cuentos y también es llevado ante la presencia policial. A partir de allí, la pieza irá indagando en cada uno de los personajes, sus secretos, sus traumas y sus miserias y frustraciones, oscilando constantemente entre el humor, el drama y el horror.
Es un verdadero lujo el texto de McDonagh, plagado de un humor negro que por momentos roza la genialidad, a través de los hilarantes diálogos entre los cuatro protagonistas. La escenografía de Alberto Negrín resulta muy acertada, por momentos sobria, por otros planteada convincentemente en dos planos. La iluminación y el sonido son claves en la creación de un clima que, con diversos cortes y estruendos que toman por sorpresa a la audiencia, se asemeja al de una película de terror (el final, en ese sentido, es impecable).
El desempeño de Pablo Echarri en el difícil papel de Katurian sorprende por su solvencia, más teniendo en cuenta que sus anteriores incursiones en teatro nunca habían resultado tan felices. Pero se nota que Echarri está absolutamente compenetrado con su personaje, no sólo por su correctísima dicción en los interminables textos que le competen (no es tarea fácil monologar largamente y en forma intimista de cara al público), sino también por lo acertado de su caracterización, incluso desde lo físico (su atinado corte de pelo, sus movimientos, hasta sus caídas resultan creíbles). Y lo demuestra, también, al final de la pieza, al momento de recibir una merecida ovación casi desde un segundo plano.
Ambos policías se complementan muy bien en sus roles del bueno y accesible (Tupolski) y el más básico y rudo (Ariel). De menor a mayor el primero, a cargo de un Carlos Santamaría con un manejo perfecto de la crudeza y el sarcasmo con que están dotados sus textos. De mayor a menor el rudimentario Ariel de un Vando Villamil por momentos brillante, aunque pierda algo de credibilidad al momento de crecer la sensibilidad de su personaje.
Por último, hay que decir chapeau a la interpretación de Carlos Belloso, sin duda uno de los mejores actores que pueden verse en la actualidad. Es cierto que su personaje es bellísimo, pero no lo es menos que hay que estar a la altura. Y Belloso lo tiene puesto como un traje: su Michal cubierto de todo tipo de gestos y tics, portador de una impecable expresión corporal y una modulación que va regulando a cada momento, resulta inmejorable.
Es The Pillowman una gran obra y su versión argentina muy placentera de ver, por la rutilante puesta en escena (aunque la mini película proyectada en pantalla al comienzo del segundo acto deje algunas dudas), por la enorme calidad general de sus intérpretes y, a no dudarlo, por un Belloso sencillamente imperdible.

(publicado en www.ocioenbsas.com.ar)

Miss you

2008-08-15T13:17:00.000+02:00

I've been holding out so long
I've been sleeping all alone
Lord I miss you
I've been hanging on the phone
I've been sleeping all alone
I want to kiss you

Oh everybody waits so long
Oh baby why you wait so long ?
Won't you come on ! Come on !

Dedicatoria

2008-08-14T11:46:00.000+02:00

Me llega la novela de un hermano que me dio Madrid:

Para superloyds
Porque se te extraña en Madrid
"desconfía de las casualidades
y de las putas con tetas pequeñas"

Desata tu corazón

2008-08-13T17:47:00.000+02:00

"Abre bien los ojos. Mira"

Julio Verne, Miguel Strogoff

Lúcido (y un poco autobiográfico)

2008-08-13T14:41:00.001+02:00

Lucas es un joven inmaduro que no puede escindirse de la figura de su madre. De chico ha sido trasplantado. Su hermana le donó un riñón cuando tenía 10 años y luego fue trasladada a Estados Unidos a raíz de ciertas complicaciones en la operación. Ahora, mucho después, vuelve por él porque su marido está muy delicado en internación.
O no. Mejor dicho, Lucas está soñando. Busca un sueño lúcido inducido por su psicoanalista, en el cual poder decidir lo que pasa y lo que deja de pasar, siendo consciente de ello todo el tiempo.
O tampoco. En realidad, la hermana de Lucas le donó sus córneas y ahora, ciega, vuelve a reencontrarse con él y a explicarle por qué se fue tantos años sin darle señales de vida.
Cualquiera de estas historias puede leerse en esta interesantísima obra del prolífico Rafael Spregelburd (su autor y director), representada actualmente en el Teatro Andamio 90. Dotada de muchísimo humor y de ingeniosos giros en un texto muy original, la pieza es interpretada por un regular elenco que lleva adelante un trabajo casi sin fisuras.
Muy solvente Javier Drolas en el papel de un Lucas ciclotímico e hilarante. Su hermana Lucrecia, a cargo de la expresiva María Inés Sancerni, aparece también muy lucida, sobre todo al principio de la obra. Hace reír y mucho Hernán Lara, en el doble rol de mozo del restaurante y de Darío, pretendiente de la mamá del joven. Pero es éste último personaje, Teté, el que destaca mayormente por su impecable manejo de los textos: las ironías, las confusiones, los juegos de palabras efectuados por Eugenia Alonso al encarnar a la invasiva madre del protagonista, transmiten emotividad, gracia y dramatismo a la audiencia.
Lúcido es una obra para deleitarse, más allá de una musicalización un tanto estruendosa y de que la última escena aparezca algo redundante y menos efectiva (como final) que la inmediatamente anterior. Y lo es en base a una gran historia, plagada de buenas ideas y vueltas de tuerca perfectamente ensambladas, pero también llevada a la práctica de manera casi infalible por cuatro histriónicos actores que hacen reír, reflexionar y emocionar a un público que, por ende, difícilmente saldrá indiferente de la sala.

(publicado en http://www.ocioenbsas.com.ar/)

Miércoles a la noche: todos a Crobar

2008-08-12T23:15:00.001+02:00

GATITO RRPP DICE:

Te espero a vos y tus amigos este miércoles 13 desde las 20.30 hs en Vintage Early Nights al Cocktail free a Cargo del Chef Héctor Bianchi.
Tenemos Happy Hour de cerveza, tragos con vodka y champagne 187 hasta las 23 hs.
También contamos con la presencia de 'Toreros y Puteros' una banda que te hace matar de la risa y además son grandes músicos.
Después del show la mejor música de los 80 - 90 - 00, Rock y Pop a cargo de Andrés Troha.
Si querés, mandame tu lista a juacolebron@hotmail.com y los anoto para que entren gratis.
Si no, diciendo en la puerta que son invitados/as de Joaquín Lebrón, entran de toque.

Abajo te describo el menú:

SHOTS - fríos

Ceviche en salsa de maracuyá

Palmitos, guacamole y camarones

Pinchos capresse

Pinchos de pollo al Spiedo con crocante de piel y bacon al curry

Bombones de foie

BOWLS - calientes

Orecchietti con salsa de hongos perfumados a la Trufa blanca

Honey Mustard Chicken con puré de calabaza y semillas de girasol

Rissotto de rúcula y jamón crudo

Piadinas de varios gustos

Espero verte

Saludos

Capacidad Limitada

Proyectaremos el partido Boca - Arsenal (sin audio)

Joaquín Lebrón
Cel: 153-611-1791

La Mississippi: 1, 2, 3, grabando

2008-08-12T18:22:00.001+02:00

La legendaria banda de blues decidió festejar sus 20 años de trayectoria con una serie de shows en El Condado, aprovechando la ocasión, además, para utilizar el material con miras a la grabación de su próximo disco en vivo. Y tuvieron lleno completo en las ocho funciones en que repasaron todos los éxitos de su carrera, dejando a sus fans muy satisfechos.
Nos tocó presenciar el anteúltimo concierto, y nos encontramos con una banda muy aceitada que se brindó por entero a un público que en el comienzo permaneció sentado en las distintas mesas dispuestas a modo de café concert y acabó de pie cantando las últimas canciones de la noche. Un Ricardo Tapia en gran forma, detrás de unos anteojos oscuros, dio el puntapié inicial con un clásico del disco Palacio de Pulgas (1999): El Fierro. Le sucedieron Por Fin Te Fuiste Mabel, del segundo álbum, Bagayo (1995), Dame Dame, un tema del último cd Amor y Paz (2006) y una original versión del Boggie de la Ruta 2, incluido en su álbum debut, Mbugy (1991).
Como se ve, el repaso fue completo, la Mississippi fue saltando de un disco al otro, sin dejar ninguno de sus trabajos de lado. En ese sentido, prosiguieron con un tema de Cara y Ceca (1997): Vamo' y Vamo', con un invitado de lujo que fue el gran guitarrista de blues Dani Raffo y regresaron a otro clásico: Blues del Equipaje, en el que se lució el saxo tenor de Marcelo Zeta Yeyati. Hicieron luego una bonita versión de Hotel La Gallega y recalaron en el disco Bit Hippie (2001), del que interpretaron El Detalle, para regresar a su primer trabajo con una versión de Tres Palabras, con músicos invitados en armónica y guitarras.
El cierre, muy celebrado, con unos cuantos fanáticos que abandonaron sus mesas para bailar al lado de la banda, frente al escenario, fue con Un Trago Para Ver Mejor. Y hubo tiempo, por supuesto, para un bis, con más guitarras de Dani Raffo y más clásicos: No me alcanza y la gran Café Madrid, el primer hit de esta sólida y perdurable agrupación de blues argento.
Un festejo completo, del que seguramente saldrá un disco en vivo para tener muy en cuenta, porque la banda sigue sonando tan bien como siempre y el público acompañó con mucho entusiasmo.

(publicado en http://www.ocioenbsas.com.ar/)

Con los ojos no te veo

2008-08-12T09:25:00.001+02:00

Avanzo y escribo
decido el camino
las ganas que quedan se marchan
con vos.

Se apaga el deseo
ya no me entrevero
y hablar es lo
que se me da mejor.

Con los ojos no te veo
sé que se me viene el mareo
y es entonces cuando quiero
salir a caminar...

Ya no espero que ella vuelva...

2008-08-11T18:06:00.000+02:00

A fines de julio Los Tipitos se presentaron en La Trastienda ante un público nutrido y familiar, precedidos por la banda chilena Cabaretta. El grupo formado en Mar del Plata abrió un show muy cálido con Tan Real, de su último disco homónimo, seguida por la clásica Sábados Blancos y otras dos canciones nuevas: Corazón Delator y Gatillo (de gran final, pogo incluido), que encontraron a un inspirado Walter Piancioli (que dijo estar afónico aunque casi no se notó) paseándose entre la guitarra y los teclados.
Vuelta a los clásicos, llegó la hora de Para Entender y la gran Silencio, con su bella base de piano, las dos incluidas en el álbum Armando Camaleón (2004) y en ese fantástico cd que es Tipitorex Vivo (2006). Y cerraron la primera parte antes del intervalo con otra canción nueva: Vivelo.
Después de la pausa, retomaron con un lento precioso tocado en forma acústica: En la Vida, con el baterista Pablo Tévez tocando la guitarra y un activo Federico Bugallo (que nunca dejó de interactuar con el público) a cargo de un bajo cuadrado y muy pintoresco. De regreso al formato eléctrico, interpretaron Camaleón, de gran contenido social, cantada a cuatro voces en forma casi impecable, sucedida primero por Te Vas y luego por Rap (de su primer disco), muy celebrada, en la que se alternaron uno por uno en el canto (algo difícil de ver en una banda de rock) y sin que decaiga la alta tensión del tema.
En el último tramo fue escalando el fervor de la gente, que concurrió con ánimo de bailar, saltar y hacer pogo frente al centro del escenario. Sobre todo al llegar las clásicas En el Cielo y El Pasillo Mágico (gran teclado de Piancioli), incluidas también en Tipitorex. Le siguieron El Poli y Basta Para Mí, ambas del tercer disco Cocrouchis (1999) y Trip, del cd siguiente: Vintage (2001).
Al momento del final, con un Raúl Rufino muy ajustado en el canto, hicieron Flor Negra, corte de difusión del último disco y la gran Campanas en la Noche, con esa bellísima letra de amor (...No existe el olvido...). El epílogo del show encontró a los cuatro entrañables músicos sumergidos en una ovación, dejando que las manos de los espectadores tocaran sus instrumentos. Fue una verdadera fiesta, plagada de energía y de canciones muy pegadizas, que hizo que el público se retirara muy satisfecho.

(publicado en www.ocioenbsas.com.ar)

Grabado (Tape)

2008-08-08T17:54:00.001+02:00

Vicente llega a Rosario para ver la presentación de la película que su viejo amigo Juan presentará en un festival de cine. Ambos se encuentran en la habitación de un discreto hotel que Vicente ha reservado para la ocasión, luego de varios años sin verse. Allí contrastarán una vieja situación del pasado, que involucra a una ex compañera del colegio secundario, que casualmente vive en la ciudad y acabará irrumpiendo en la escena.
Esta interesante obra de Stephen Belber, con puestas en Nueva York, Los Angeles y Londres y llevada al cine con protagónicos de Uma Thurman y Ethan Hawke, marca el debut en la dirección de la actriz Inés Estévez, que ha elegido focalizar la historia en la complejidad de los diálogos y en la subjetividad de los puntos de vista de tres personajes que, sin embargo, resultan tan llanos como cualquiera de nosotros.
Cobra gran importancia en ese objetivo la acertada traducción de los textos, acompañados muy adecuadamente por la precisa músicalización del reconocido Bobby Flores y una sobria aunque correcta escenografía e iluminación.
El oficio de Fabián Vena le sobra para componer a Vicente, un perdedor alcohólico y drogadicto rodeado de fantasmas, que intentará manipular al resto de los personajes. Su manejo de la ironía es casi perfecto, alcanzando momentos muy lucidos tanto en lo humorístico como en lo dramático: Vena es un actor de raza, que hace reír y emociona por igual y, por sí solo, ya vale la entrada.
Difícil tarea la de Guillermo Pfening en el rol de Juan, que debe lidiar toda la pieza con el casi impecable Vicente. En ese sentido, decepciona un poco su caracterización del director de cine ganador y políticamente correcto, que aparece algo sobreactuada y no logra la carga dramática suficiente para convencer del todo al público.
De menor a mayor la interpretación de Carolina Tejeda, que da vida a Ana, la chica que los dos personajes masculinos se disputaran en la secundaria. Porque si bien no resulta del todo convincente en su entrada en escena, poco a poco va aflojándose hasta lograr construir un papel bastante sólido, que hará eclosión hacia el final de la obra, al momento de engañar a ambos muchachos en forma sarcástica e hilarante.
Es Grabado una propuesta original y profunda, con pasajes dotados de gran comicidad (principalmente a cargo del carismático Vena), que da paso al inevitable cuestionamiento acerca de la complejidad de las relaciones humanas, las distintas ópticas con que cada ser observa el mundo. Y el espectador, probablemente, además de disfrutar de una obra muy agradable, dependiendo del momento le irá dando la razón a cada uno de los personajes o, cuando menos, acabará por comprender sus distintas realidades e impresiones.

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Joe Satriani: el placer de la guitarra

2008-08-06T18:45:00.000+02:00

El enorme guitarrista estadounidense volvió a encontrarse con su fiel público argentino en un Estadio Pepsi Music casi completo. Y tanto él como su perfectamente ensamblada banda se lucieron, como de costumbre, brindando una verdadera fiesta.
Ya sin los pelos largos que luciera en sus primeras visitas, Satriani derrochó una vez más su virtuosismo por Buenos Aires, alternando sus ya clásicas guitarras Ibanez de distintos colores, aunque todas ellas brillasen (más allá de su manera de tocarlas) casi tanto como su reluciente calva.
Con la excusa de presentar su último álbum, Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock, el guitarrista de culto apareció en escena apenas diez minutos después de lo anunciado, con los primeros acordes de, precisamente, el primer corte de difusión del nuevo trabajo, I just wanna rock, colando, por única vez en la noche, su voz distorsionada en una canción.
Guarecido en todo momento tras sus anteojos negros e interactuando constantemente con un público que lo adora como a un dios, Satriani volvió a hacer de las suyas en este nuevo concierto instrumental siempre apuntalado en su guitarra, pero acompañado por músicos de fuste como el renombrado bajista Matt Bissonette, que ofreció un solo de casi diez minutos sencillamente maravilloso, y el baterista Jeff Campitelli, que arranca a sus parches un sonido que se complementa a la perfección con ambos y dio cierre al concierto con otro solo igual de impresionante.
Mientras tanto, el pelado toca, juega, se divierte con la gente, sigue tocando. A puro dedo, con la púa en la boca, invierte la posición de sus manos, toca con los dientes, señala hacia arriba como si fuera un enviado del cielo, habla con el público, lo hace cantar, le pide palmas, bromea con los integrantes de la banda, ensaya sus clásicos saltitos sobre el escenario y mantiene la boca entreabierta como es su costumbre, disfrutando cada nota. Pero casi nunca deja de tocar, en las dos horas y media que dura el espectáculo plagado de rutilantes luces e imponentes imágenes en una pantalla gigante.
Es un placer verlo transpirar sacando de sus guitarras los sonidos más increíbles, aún para quienes no son amantes incondicionales del instrumento. Y se suceden en el escenario, casi sin interrupciones, viejos y nuevos temas, pertenecientes tanto a su último álbum como a otros anteriores, como Super Colossal, Time Machine, The Extremist. Su público, de parabienes, canta, baila, hace que toca su propia guitarra imaginaria con las manos, aplaude a rabiar (tanto a Satriani como a cada uno de sus músicos cuando son presentados) y despide el impecable final del concierto con los puños en alto, hasta la próxima oportunidad.

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Attila, de Verdi

2008-08-06T13:25:00.000+02:00

En el precioso escenario del Teatro Avenida, Buenos Aires Lírica ofreció una representación muy satisfactoria de la ópera Attila, de Verdi, basada en la llegada a Italia del poderoso y temido emperador y cargada de gran espíritu nacionalista, estrenada en el año 1846.
Musicalmente bellísima, la pieza fue ejecutada en gran forma por una orquesta muy ajustada tras la batuta de Javier Logioia Orbe, en compañía del brillante coro de Buenos Aires Lírica, dirigido por Juan Casasbellas. El marco otorgado por el régisseur Marcelo Perusso contó con una escenografía correcta aunque un tanto estática y minimalista, y un vestuario verdaderamente muy logrado.
El elenco resultó solvente en general, comenzando por un Attila parejo y muy bien actuado, compuesto por el bajo barítono chileno Homero Pérez Miranda, que encontró su punto más alto al final del primer acto, cuando el emperador despierta de un sueño en su campamento cercano a Roma. La heroína Odabella fue interpretada por la soprano Mónica Ferracani, que aunque fue de menor a mayor, logró consolidar velozmente su hermosa condición vocal y alcanzar su más alto registro con gran convicción, arrancando fuertes aplausos al público a lo largo de la noche. El barítono Omar Carrión ofreció un Ezio muy entonado, destacando durante el prólogo, con la emblemática frase "Avrai tu l'Universo, resti l'Italia a me" (Tendrás el Universo, pero déjame la Italia a mí), cantada en forma impecable, y en el segundo acto, de gran contenido nacionalista. El afinado tenor Arnaldo Quiroga, encargado de dar vida a Foresto, el caballero aquilense, se ensambló con mucha presteza a la melódica pieza, ofreciendo junto a Odabella un comienzo cantado en forma preciosa al acusarla de traición, aunque luego haya mostrado algún altibajo en el segundo acto. Completaron el reparto el tenor Emanuel Esteban como el joven Uldino y el bajo Christian Peregrino como el Papa Leone I, ambos correctos.
En líneas generales, una nueva y convincente función de Buenos Aires Lírica, cuyo elenco brindó un final de ópera aceitado y bellísimo y dejó al público -que aplaudió con muchas ganas aunque sin ovacionar- muy satisfecho.

(publicado en www.ocioenbsas.com.ar)

Un tablao en plena Buenos Aires

2008-08-05T16:33:00.002+02:00

Para celebrar este ciclo porteño de música flamenca, con presentaciones todos los viernes de julio, agosto y septiembre, en un precioso espacio como es Perro Andaluz, en el corazón de San Telmo. Entre sus paredes de ladrillo a la vista, dispuesto en distintas mesas orientadas hacia el escenario, el público puede disfrutar del show entre tapas, pinchos de tortilla y, por qué no, pizza, todo ofrecido a precios muy accesibles.
Mientras tanto, Laura (Frega) y María de la Paz (Salzano) se alternan entre el escenario y la organización. Un viernes baila una y la otra se encarga de no dejar nada librado al azar, y viceversa al viernes siguiente. Siempre acompañadas por dos virtuosos músicos: Héctor Romero, probablemente el mejor guitarrista argentino de flamenco y "El Rafa" González, cantaor y percusionista, que ha pasado por todos los tablaos de Buenos Aires.
Entre guitarra, cajón y cante, se suman, cada viernes, otros dos bailarines invitados al efecto. Nos tocó ver a Laura y, como convidados, a Sebastián Bertuzzi y Florencia Crea, con el sitio lleno y los oles de la gente rebotando en las paredes. El vestuario de las dos atractivas bailarinas, bellísimo y típico, y el repertorio musical muy atinado. Aunque un tanto seria Laura, hizo gala de una técnica de baile muy lograda. Algo rígido Bertuzzi y no tan bien caracterizado en su vestuario, pero igualmente correcto. Y la carismática Florencia Crea, tal vez el punto más alto de la noche, desplegó histrionismo, simpatía y vitalidad sobre el escenario.
Una experiencia muy gratificante en plena Buenos Aires, con una sorprendente calidad interpretativa en general, convierten el acercarse un viernes a la noche al Perro Andaluz en una opción accesible, cálida y muy entretenida.

(publicado en http://www.ocioenbsas.com.ar/)

Mañana

2008-08-05T10:00:00.000+02:00

Together we're invincible

2008-08-02T20:00:00.000+02:00

Follow through
Make your dreams come true
Don't give up the fight
You will be alright
Cause there's no one like you in the universe

Don't be afraid
What your mind consumes
You should make a stand
Stand up for what you believe
And tonight
We can truly say
Together we're invincible

During the struggle
They will pull us down
But please, please
Lets use this chance
To turn things around
And tonight
We can truly say
Together we're invincible

Do it on your own
It makes no difference to me
What you leave behind
What you choose to be
And whatever they say
Your souls unbreakable

During the struggle
They will pull us down
But please, please
Lets use this chance
To turn things around
And tonight
We can truly say
Together we're invincible

Together we're invincible

Ya está en tu kiosco

2008-07-28T13:00:00.000+02:00

El Diario de Anna Frank

2008-07-25T17:32:00.001+02:00

La versión teatral del Diario de Anna Frank que se da por estos días en el Regina resulta realmente muy agradable de ver. Son para destacar los aciertos en la adaptación del texto y la mano firme de Helena Tritek en la dirección. Todo ello, sumado a la excelente interpretación de la protagonista Vanesa González y a la calidad general del resto del elenco, convierten a la obra en una experiencia para disfrutar.
La historia de la niña judía que cuenta en su diario íntimo (el más leído del mundo) la invasión de los nazis a Holanda, desde la buhardilla que ofició de escondite para su familia entre los años 1942 y 1944, sigue resultando dramática y conmovedora. La pieza alterna pequeños monólogos de la pequeña Anna dirigidos al público, con la representación de la difícil convivencia entre los Frank y los Van Daan en tan pequeño espacio, y en ese sentido resulta clave la certera iluminación de Omar Possemato. La escenografía de Carlos Di Pasquo es estática mas bien distribuida en el espacio y, el vestuario, a cargo de Seedy González Paz, sin duda resulta otro aspecto para resaltar por su buen tino.
Los picos emotivos, los miedos y las riñas internas de la convivencia aparecen logrados, principalmente porque la impecable Anna construida por González se halla muy bien acompañada por sus padres: Otto, perfectamente retratado por Norberto Díaz, y Edith, encarnada por la sólida y convincente Emilia Mazer. La familia Van Daan resulta también fielmente interpretada, aunque con algunos altibajos. Un tanto rígido en el comienzo el joven y ágil Estanislao Silveyra (Peter), que luego va afianzándose con el correr de la obra; al contrario que Susana Pampín (Sra. Van Daan), que arranca muy avasallante y se desdibuja un poco al extenderse demasiado el momento en que le toca, entre sollozos, desprenderse de su abrigo de piel. Gustavo Rey (Sr. Van Daan) y Marcos Woinski (Sr. Kraler) están correctos, aunque no logren dotar a sus personajes de toda la emotividad que éstos les requieren, y conforman en su papel las sutiles Corina Fonrouge (Margot Frank) y Dalia Elnecavé (Sra. Miep). Completando el elenco, encontramos a un José María López muy inspirado, que da vida al Sr. Dussel, otro de los puntos altos de la pieza.
Pero volvamos a Vanesa González, porque su actuación es descollante. Esta joven actriz de 21 años, que aparenta bastante menos y logra hacer creer que es una niña de 13 o 14, se brinda entera y con excelentes resultados, ya que consigue dotar a su personaje no sólo de credibilidad, sino también de una mezcla de emociones encontradas (esperanza, temor, ingreso a la pubertad, amor, culpa, alegría) que transmite al público con absoluta naturalidad. Un gran acierto su elección, que dio lugar a un papel brillante.

(publicado en http://www.ocioenbsas.com.ar/)

Cuarteto Alban Berg

2008-07-25T13:56:00.000+02:00

En su gira despedida, pasó por Buenos Aires el prestigioso Cuarteto Alban Berg. Presentado por el Mozarteum (al igual que en todas sus visitas anteriores) e integrado actualmente por Günter Pichler (violín), Gerhard Schulz (violín), Isabel Charisius (viola) y Valentin Erben (violoncelo), la genial agrupación de cuerdas interpretó un programa que incluyó obras de Haydn, del propio Alban Berg y de Beethoven, en un concierto maravilloso que tuvo lugar en el Teatro Coliseo.
El comienzo, con el Op. 77 N° 1 en Sol mayor de Haydn, fue muy auspicioso. Los cambios de ritmo, los diálogos con el violoncelo, la pacífica intervención del primer violín, la repentina aceleración con predominio de los violines y el gran puente que condujo a un perfecto cierre del violoncelo, todo resultó ejecutado en forma impecable.
El Cuarteto Op. 3 de Alban Berg resulta más contemporáneo y atonal y, con ello, menos melódico. Su primer movimiento, que comienza con el violoncelo tocado a mano y despunta con un primer violín que prácticamente levantaba al pequeño Pichler de la silla, está plagado de momentos casi silenciosos, con instrumentos tocados de uno en uno, y deriva en un punto crítico estruendoso. El segundo recrea una suerte de parafernalia hecha orden, y fue presentado con gran lucimiento de Erben y un buen desempeño de la violista Charisius, última en incorporarse al Cuarteto en reemplazo del fallecido Thomas Kakuska, en el 2005.
El cierre, con el Op. 132 en La menor de Beethoven, fue conmovedor. Con los instrumentos sucediéndose uno a otro en una ejecución perfecta, aunándose posteriormente en precisa sincronización, el Cuarteto destiló dulzura y preciosismo, con gran protagonismo de un violoncelo muy inspirado que logró despedir sonidos impensados. Ovacionados largamente, los virtuosos músicos retribuyeron con un bis dedicado a la presidenta del ciclo en el día de su cumpleaños: la pieza elegida fue el bellísimo Adagio del Cuarteto op. 76 nº 4 de Haydn. Una gran despedida del Alban Berg, que brindó un concierto que resultó una verdadera celebración de la paz y la armonía.

(publicado en www.ocioenbsas.com.ar)

Llena tu cabeza de MUSE

2008-07-24T18:35:00.001+02:00

El primer show de MUSE en Buenos Aires fue sencillamente impresionante. No por nada estos muchachos británicos, promocionados a su llegada a nuestra ciudad como “el secreto mejor guardado de Europa”, se han alzado los últimos años con los premios más prestigiosos de la crítica especializada, que los considera “la mejor banda en vivo”.
Un Teatro Gran Rex colmado, con Andrés Calamaro entre el público, los recibió de pie poco después de la hora señalada y así permaneció a lo largo de los 16 temas que conformaron el impecable concierto montado con una espectacularidad escénica sorprendente.
Es que estos chicos no dejaron nada librado al azar. Los juegos de luces, las imágenes transmitidas a través de una pantalla gigante y hasta algunos efectos especiales, conjugados con un sonido casi perfecto, hicieron de su presentación en suelo porteño una experiencia para guardar en la memoria como uno de los shows más rutilantes de este año 2008.
Con la excusa de presentar H.A.A.R.P., una celebrada actuación en vivo en el Estadio de Wembley en junio de 2007, registrada en CD y DVD, el power rock trío (que cuenta además con cuatro discos en estudio y otros dos trabajos en vivo) formado por Matthew Bellamy en voz, guitarras y piano, Chris Wolstenholme en bajo y Dominic Howard en batería y percusión (la banda contó también, en algunos temas, con otro músico en teclados y sintetizadores), se paseó por distintos géneros musicales, rociando a la audiencia con acoples precisamente digitados, cambios de ritmo, puentes, solos, enganches y finales inesperados e interminables para cada canción.
Map of the Problematique fue el poderosísimo tema de inicio, muy rock de garage, con reminiscencias de Primal Scream. Le siguieron Supermassive Blackhole, con un componente más brit pop y Dead Star, una canción muy power aunque más psicodélica, que permitió la primera exhibición de virtuosismo del líder con su guitarra y su enorme registro vocal (aquí en agudo). Y el versátil Bellamy se sentó al piano para el inicio de New Born (luego se pasó a la guitarra) y el final de Butterflies & Hurricanes, uno de los puntos altos de la noche, que comienza muy Pink Floyd y luego llega tan alto que fue acompañada por una explosión de humo preparada al pie del escenario.
Fue el turno de dos canciones más lentas, las bellísimas Feeling good y Sunburn, tocadas completamente al piano por Bellamy, que utilizó una especie de megáfono para cantar la primera, a lo Chris Martin. El Bass Jam que siguió logró confirmar (algo que a esa altura ya no era necesario) las enormes dotes del bajista Wolstenholme y el poderío escénico de Howard en la batería.
La seguidilla de hits que continuó fue, sin duda, la parte más lograda de un concierto sin fisuras. Invincible, un tema plagado de sintetizadores, con impactantes imágenes de movilizaciones sociales (represión incluida) en pantalla y la gente coreando “together we are invincible”, Hysteria, con gran lucimiento de la guitarra y un juego de luces enceguecedor y Starlight, con más sintetizador y Bellamy arengando a la gente para que aplauda más fuerte, llevaron al ambiente in crescendo hasta su punto de ebullición con Time Is Running Out, de un poderío inusitado. En el final, Stockholm Syndrome encontró al power trío en su mejor forma, acabando el tema en el momento menos pensado, con un cierre de batería realmente descomunal.
Por supuesto hubo un bis, que empezó con Soldiers Poem, un lento con influencias de Radiohead, tocado con guitarra acústica, y terminó de nuevo muy alto, con dos poderosas canciones: Plug In Baby, acompañada por la caída sobre el público de seis inmensos globos que fueron rebotando de aquí para allá, y Knights of Cydonia, cantada con voz distorsionada sobre una muy sólida guitarra, mientras la comprometida letra del tema era pasada en la pantalla. La despedida fue con otra explosión de humo y con el público rompiéndose las manos de tanto aplaudir: es que había sido testigo de un show magnífico.

(publicado en http://www.ocioenbsas.com.ar/)

Broadway Argento

2008-07-24T13:02:00.001+02:00

La Ciudad Cultural Konex ha tenido una gran idea que fue la de presentar este año, en forma paralela, como homenaje por los 150 años del nacimiento de Giacomo Puccini, una versión de La Bohème con enfoque atemporal y en un espacio no convencional (que tuvo gran éxito y fue comentada en este espacio) y el musical Rent, basado en ésta y de gran suceso en Broadway, con 12 años ininterrumpidos en cartel.
La obra creada por el dramaturgo Jonathan Larson (que murió un día antes de su estreno), adaptó la historia de los bohemios a la llamada generación X de fines del siglo pasado, abordando temas de alto contenido social como la homosexualidad, el sida, los sin techo, la drogadicción y el capitalismo salvaje. Y la versión argentina, aunque con algunos altibajos en lo actoral, en lo musical es realmente muy lograda.
Acompañados de una precisa banda que toca en vivo a lo largo de toda la obra, los actores lucen muy solventes en general a la hora de interpretar las bellas canciones traducidas al castellano y aggiornadas con muy buen tino a nuestra ciudad. Es correcto mas no descollante el desempeño de Germán Tripel, que encarna a Roger, al igual que el de Andrés Bagg en el rol de Mark, el cineasta encargado de introducir cada una de las escenas. No tuvimos oportunidad de ver en escena a Florencia Otero, habitualmente en el papel de Mimí, pero el reemplazo efectuado por la sexy María Eugenia Fernández no pudo resultar más acertado: su gracia, sus movimientos y, sobre todo, su preciosa voz, la convirtieron en el punto más alto de la noche, junto a la histriónica Laura Conforte, que interpretó a una Maureen muy bien cantada y mejor actuada. Destacan también el agilísimo Ángel Hernández, que dota a su drag queen de un glamour y una expresividad notables, y Pablo Sultani en la piel del activista Tom Collins, otro gran trabajo en lo actoral. Acompaña correctamente Martín Repetto (Benny) y muy bien Déborah Turza (Joanne), al igual que el resto del coro.
Una dinámica puesta en escena y una coreografía muy agradable proveen el marco ideal para esta placentera versión del galardonado musical Rent (imperdible para los amantes del género), en un acierto más de la gente de Ciudad Cultural Konex.

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Babasónicos en la Luna

2008-07-23T19:08:00.001+02:00

Con Carlos Hernán “Carca” Carcacha en el bajo (ex integrante del grupo y actualmente solista), luego de la lamentable desaparición de Gabriel Manelli, Babasónicos presentó su último trabajo, Mucho, los días 10 y 11 de julio, ante un Luna Park repleto.
El nuevo disco, que contiene temas potentes como Cuello rojo, unas cuantas baladas (como la hermosa Como eran las cosas) y hasta música disco (Microdancing), fue alternado prolijamente con los numerosos clásicos de la banda, en un escenario futurista montado en forma piramidal, con dos largas escaleras en cuya cima se ubicaron el tecladista Diego “Uma-T” Muñón y el baterista Diego Castellano, con Carca a su lado. En la parte de abajo, flanqueado por las guitarras de Mariano Domínguez y de su hermano Diego Rodríguez, Dárgelos copó la parada con su habitual carisma.
Iluminados por un impactante juego de luces y con una voz que sonó casi perfecta (tal vez a la banda en conjunto le hizo falta un poco más de volumen), convirtieron al campo del Luna Park en una fiesta bailable sin intervalos. Porque lo que ofreció Babasónicos fueron versiones compactas de cada tema, sin solos, sin comentarios, sin solución de continuidad, todo a pura música.
Dárgelos volvió a hacer de las suyas, bailando como una especie de bufón, parodiándose a sí mismo mientras cantaba “a la mierda lo que piensen de nosotros” o “miren lo que han hecho con el duende del rock”, arrodillándose en el escenario, susurrando seductor como si lo hiciera al oído de alguien, jugando con el pie del micrófono (a la Steven Tyler) y creando (desde su voz nasal hasta su glamoroso vestuario) esa magia necesaria como sólo él sabe hacerlo. Acompañó bien su hermano en el canto y la guitarra (y notablemente en el baile), aunque en general la formación lució muy compacta pero sin espacio para lucimientos personales más allá del líder.
Un concierto con muchos puntos altos, plagado de clásicos cantados con fervor por un público muy animado y alternados con las canciones del último álbum. No faltaron entonces Sin mi diablo, la muy celebrada Pendejo, Puesto (con algún acople), la bellísima El colmo, Suturno, Y qué?, Putita (gran teclado), la sexy Soy Rock, Irresponsables y una preciosa versión a dos voces de Camarín, que se sucedieron una tras otra sobre el escenario para deleite de la audiencia, a la que sólo se dirigió el cantante para anunciarle el final de la velada y luego despedirse al concluir el bis. Pero lo importante era la música y de eso, en el Luna Park, hubo de sobra.

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Winners

2008-07-23T14:25:00.001+02:00

Dos grandes totales mis pollos. Encima uno con la remera de Superloyds, jaja, dejate de joder.
De nada muchachos, ustedes lo merecen.

En potencia las pelotas

2008-07-22T13:42:00.001+02:00

Lo mío es tangible.
Lo tuyo, tangente.
Tan Gente.
Dale que va...

Sí que existe pero se
necesita un poco más
de fe (y de lluvia).

Creer es mi felicidad.

Felicitaciones amigos: por algo eran mis pollos

2008-07-19T20:07:00.005+02:00

LEO OYOLA
Premio Hammett (a la mejor novela policiaca de 2007 escrita en español)

CARLOS SALEM

Premio Memorial Silverio Cañada (a la mejor primera novela policiaca de 2007 escrita en español)

Sí, yo te voy a buscar al cole

2008-07-18T14:14:00.003+02:00

Seguimos en pie

2008-07-14T21:45:00.004+02:00

Feliz aniversario

La uña de Otto

2008-07-12T13:30:00.000+02:00

El niño sexto sentido tiene una mochila 4x4. Negra, enorme, llena de cuadernos sexto sentido, con una manija - volante y ruedas todo terreno. Y la hace colear como si fuera un cuatriciclo en la arena de Pinamar. Tanto joder con la bendita mochila, un día las ruedas fueron a dar contra el dedo gordo del pie derecho de Otto. La uña se puso negra y después adquirió un tono violáceo un tanto psicodélico. En años de fútbol Otto nunca había tenido el dedo así. Ahora, gracias a sexto sentido, requiere de atención diaria y duele. ¡Uy chabón, como tenés esa uña! Es obvio que se te va a caer y ¿Te pintaste la uña tío Otto? son algunos de los comentarios que inspiró la visión de la morada pezuña.
El niño no acusó recibo, siguió dale que te dale con las coleaditas, hasta que un día, justicia divina que le dicen, la sobrecargada mochila hizo estallar el cierre y cuadernos, hojas, cartuchera y otros in-útiles formaron un espectacular collage en el medio de la calle, justo en la puerta del colegio. Mientras sexto sentido recogía desesperado, a cuatro manos, todas sus porquerías, Otto disfrutaba en silencio, con una media sonrisa en el rostro, esa escena que era como un regalo del cielo. Algunos samaritanos se acercaron a ayudar y una mamita comentó solidaria: pobre nene, lo que le pasó. Otto pensó que se lo merecía, pero igual terminó apiadándose y colaboró juntando un par de hojas sueltas. El niño, haciendo equilibrio con su mochila en brazos, logró llegar al Ottomóvil. La puso en el asiento de atrás y pasó el viaje entero ordenando todo. Ya en la puerta de su casa, haciendo malabares con el contenido de la 4x4, que se le caía por todas partes, se despidió más sumiso que nunca, mientras subía trastabillando la escalera de entrada al edificio. A Otto le dio un poco de pena, aunque a decir verdad, cuando se iba, al apretar el acelerador con la uña morada del pie derecho y dolerle un poco, no pudo evitar volver a sonreír satisfecho.

MIDACHI DE PELÍCULA

2008-07-08T07:46:00.002+02:00

El nuevo show del trío cómico santafesino, que se presenta actualmente en el Teatro Ópera, es un repaso de 25 años de personajes de lo más desopilantes, con una ambiciosa producción rebosante de música y color. Es que el regreso de Miguel, Dady y el Chino, muy celebrado por un público que abarrota la sala, alcanza un despliegue que no es habitual en este tipo de espectáculos. La introducción, a lo Rolling Stones (con trailer de imágenes en una gran pantalla y una explosión que precede a la aparición del trío), es imponente: el poderoso juego de luces, sus trajes plateados, la contagiosa coreografía de baile y un jingle muy pegadizo arengan a una audiencia que es integrada desde el primer momento. Le sigue un monólogo de Dady que no tiene desperdicio, una especie de reflexión sobre la modernidad plagada de humor ácido, a la mandíbula, acompañada de la apelación sincera a volver a las fuentes, a sentir.
A poco de comenzar ya se deja planteada la propuesta del formato general: el Chino ha decidido filmar una película sobre la trayectoria de los Midachi y, a modo de director de cine (un tanto rígido en su papel), comienza a dirigir a los distintos personajes que irán saludando desde una grabación que los emite a todos juntos en un cónclave imposible (por la coexistencia de varias caracterizaciones distintas de cada uno de los actores), en una especie de almuerzo con Mirtha Legrand. Y allí vemos las geniales imitaciones de Piero, Drácula, La Mona Jiménez, Mercedes Sosa, Chiribín el cocinero, Diego Torres, el Puma Rodríguez, el bailantero, Ricardo Montaner, Jorge Rojas, la Tota y el Chaqueño Palavecino.
Los tres cómicos entran y salen de una pantalla desflecada, en la cual es proyectada la reunión, mutando entre un personaje y otro, fundiéndose (y des-fundiéndose) con las imágenes. Entre tanto, aparece también en pantalla el conductor Bebe Contempomi, parodiándose a sí mismo al presentar un supuesto Midachi Fest, que será la excusa para la sucesión de los distintos números musicales: desfilan por el escenario Patito Feo, Pity Alvarez, Ricky Martin, la Mari de Chambao, Vicentico, Marco Antonio Solís, Nino Bravo, Babasónicos, Cacho Castaña, Valeria Lynch, Soda Stéreo y (en este caso, el verdadero) Leo Mattioli.
Quizá resulte algo excesiva la interpretación vocal de Miguel Del Sel, aunque de todas formas no cante para nada mal. Pero lo que sin duda es el fuerte de estos grandes cómicos, más allá de la soltura con que manejan sus imitaciones de ya larga data, es el arte de la improvisación: a lo largo de toda la noche no pierden oportunidad para reírse de sí mismos (y de algunos problemas de imagen y sonido), cuando lucen descoordinados con la exuberante producción, ni para ridiculizarse unos a otros por algún yerro o desajuste (y tentarse de la risa), o burlarse de algún espectador de las primeras filas.
Una perla: la escena en que Mónica (Miguel) y Rubén (Dady) se encuentran en un boliche y, alternando ficción y realidad, terminan echándose en cara los supuestos fracasos que tuvieron en estos años de carrera solista, incluidas las incursiones televisivas de uno y el programa Agrandadytos del otro.
El final, muy emotivo, con un video clip que evoca los 25 años de sociedad humorística, resulta el corolario perfecto para este Midachi 2008, que goza de muy buena salud y sigue haciendo reír a carcajada limpia.

(publicado en http://www.ocioenbsas.com.ar/)

Desvelado

2008-07-07T18:29:00.000+02:00

Gracias flaca, por rascarme la espalda hasta quedarme dormido...

Dos grandes en Buenos Aires

2008-07-04T14:27:00.000+02:00

Asistir a una obra protagonizada por dos monstruos del teatro como son Héctor Alterio y José Sacristán constituye un privilegio en sí mismo, más allá de que tal vez pueda objetarse que el texto del francés Samuel Benchetrit no se encuentre del todo a la altura de las circunstancias. Porque son ellos, los Actores (en mayúscula) quienes convierten a sus personajes, que lucirían un tanto apagados si nos limitásemos al enfoque del director Oscar Martínez (mucho más convincente en la recordada Ella en mi cabeza, de su autoría), en dos tipos emotivos, cómicos, entrañables.
La historia comienza en un cuarto de hospital compartido por dos ancianos terminales que reciben una terrible noticia: les quedan unas pocas semanas de vida. Es entonces que deciden escapar para cumplir con algunos de sus últimos sueños pendientes, pero en el camino se cruzarán con distintos personajes que los irán haciendo reflexionar. Es interesante la observación de que, pese a que los personajes intentan lucir despreocupados debido a su peculiar situación (aquello de, si me voy a morir, qué me importa), sin embargo no logran desprenderse de sus valores y acaban siendo víctimas de su propia bondad. Mientras se debaten entre priorizarse o seguir ayudando a los demás, los viejitos van impartiendo lecciones de vida e incluso logran ironizar sobre sí mismos y sus trágicos destinos: para evitar pensar en mi muerte pienso en la tuya, le dice uno al otro.
La obra está empapada de un humor negro muy logrado (aquí hay que darle la derecha al autor) que es realzado con maestría por ambos actores, que –se nota- se divierten, disfrutan estando juntos sobre el escenario: Sacristán destila gracia y carisma en cada intervención, Alterio aparece punzante y efectista en lo cómico e impecable (como siempre) en la parte dramática. Y ambos paladean cada palabra e intensifican cada silencio con destreza absoluta, estimulando la sensibilidad del espectador.
Es muy lograda la intervención de Claudio Da Passano en sus distintos personajes (sobre todo en el suicida) y correctas, aunque con algún altibajo, las interpretaciones de Diana Lamas. La escenografía móvil y minimalista de Alberto Negrín resulta funcional, agradable, y junto a la precisa iluminación de Jorge Pastorino, le otorgan a la puesta un marco muy apacible.
Y el final es una joyita: un teatro dentro del teatro (aquí sí sobresale el ojo del director), una música exquisita, un cierre simple y conmovedor, la inevitable e interminable ovación del público para dos grandes.

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Es lo único que tenemos

2008-07-04T09:12:00.000+02:00

Con el mundo como va se nos acaba todo
la tempestad y la calma casi son la misma cosa.
Quién nos dice que la vida
nos dará el tiempo necesario
toma de mí
lo que deseas
como si sólo quedara
el presente es lo único que tengo
el presente es lo único que hay...

Cronología de un desborde

2008-07-03T13:50:00.002+02:00

A partir del concepto de panóptico, esa cárcel de máxima seguridad ideada por el filósofo inglés Jeremy Bentham y popularizada luego por Michel Foucault, consistente en una torre central de vigilancia rodeada de una circunferencia de celdas cuyos prisioneros tienen la impresión de ser observados constantemente, Ciudad Cultural Konex presenta esta cronología que plantea la anulación del sujeto en un marco social controlado compulsivamente hasta la alienación.
Abordada conceptualmente desde lo audiovisual, en su inicio ya la obra interpela a un espectador que difícilmente salga indiferente de esta original experiencia. La interminable sucesión de imágenes, acompañada constantemente por música de los estilos más diversos, transmite una sensación de velocidad abrumadora característica del mundo posmoderno, mientras seis actores semidesnudos se limitan a expresar la desesperación de los personajes únicamente con sonidos guturales.
La pantalla va entregando íconos que conducen a la idea de una sobresaturación en la información y de lo efímero de las cosas, a la vez que aparece y desaparece ese enorme ojo opresor que todo lo ve y, por su parte, el hombre nunca logra verse a sí mismo.
Miedo, culpa y dolor son los tres títulos escogidos para dar paso a la representación de esta búsqueda sin fin hacia la esencia interna de un sujeto teledirigido, que ni siquiera es capaz de percibir que, entre tanto, una gruesa gota cae ininterrumpidamente sobre su cabeza, a modo de tortura, de muerte lenta. Del ácido enfoque de la obra no saldrán indemnes ni la familia, ni la religión (el video que presenta a los distintos símbolos religiosos como siniestros engranajes maquínicos no tiene desperdicio).
Es entonces la propuesta dinámica y profunda, además de original, y da paso a la inevitable reflexión acerca de la incomunicación en las relaciones humanas: el hombre ciego, culposo y acomplejado se deja llevar de las narices por un enorme e invisible aparato de dominación. Y después está el vacío.

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Pirómano mental

2008-07-02T23:52:00.003+02:00

En una redacción, en pleno barrio de Once:

01/07/08. 17.00 hs.
Ulular de sirenas: el ruido que se cuela por las ventanas del 3° piso va in crescendo hasta tornarse ensordecedor.
Nati: qué horror, nos vamos a quedar sordos.
Romi: mientras pasen de largo...
Superloyds: ¿saben que yo siempre pienso en eso? Resulta que vivo cerca de una estación de bomberos y escucho las sirenas constantemente. Y uno siempre espera a que suba y baje el volumen, a que pasen para no escucharlas más, pero yo no sé por qué muchas veces me imagino que va a llegar un día que las voy a escuchar cada vez más fuerte y se van a quedar ahí, sostenidas. Y entonces me voy a asomar y el incendio va a ser donde estoy yo.
R: ay, no, por favor, callate.
N: medio pesimista lo tuyo che, yo tengo una amiga que piensa todo lo contrario, cuando se muere alguien de guita, por ejemplo, piensa que le van a avisar que le encontraron un parentesco con ella y que es la única heredera.
S: ja, que espere sentada... igual lo mío no es pesimismo, es como una premonición, como que algún día le tiene que tocar a uno, lo bueno y lo malo. Bueno, hasta mañana.
N: chau, si se llega a incendiar el edificio ya sabemos de quién es la culpa.
R: de una, cualquier cosa te llamamos, ta mañana.
SL: más bien corran, les diría, jaja, chau.

02/07/08. 10.30 hs.
Ulular de sirenas. Puerta de entrada del edificio. Camión de bomberos. Bomberos. Mucho humo. Superloyds llega y se encuentra con esta escena a lo Club de la pelea, cuando Edward Norton llega a su departamento y se da cuenta que voló por el aire.
SL: ¿qué pasó?
Conserje: ah, ¿no sabés nada pibe? Se incendió el depósito que está en el subsuelo, parece que por un cortocircuito o algo así.
SL: Dios mío, ¿y ya está controlado? ¿puedo subir?
C: Creo que sí, cualquier cosa si ves que vuelve a subir mucho humo bajá rápido por las escaleras...

O soy un lechuza o tengo súper poderes y hasta ahora no lo sabía. Por las dudas mis enemigos, cuidadito, porque me concentro y los hago cagar, los prendo fuego, literalmente. Una pena no tener ninguno porque, qué le voy a hacer, soy un súper héroe peace & love.

Yo también fui inmigrante

2008-07-02T09:27:00.000+02:00

Todo el tiempo que perdí
no lo voy a repetir
no quiero ser igual a lo que fui

Da da da da da
da da da da da
me siento mucho mejor
sabiendo que mañana es hoy
otra vez...

¿Me firmás la libreta Diego?

2008-07-01T23:58:00.000+02:00

4 Jinetes Apocalípticos

2008-07-01T16:53:00.001+02:00

El Chacarerean Teatre fue abierto en el año 2003 sobre lo que era antiguamente una carpintería, en pleno barrio de Palermo Hollywood, por los actores Mauricio Dayub y Gabriel Goity, que junto a otros dos socios conforman la productora Sin contactos. Manteniendo la estructura original, de líneas simples, con una pared entera con ladrillo a la vista, el sitio, dispuesto en distintas mesas orientadas hacia el escenario, ofrece picadas acompañadas de pan de campo, empanadas caseras y choripanes (una pena que ya no tengan el delicioso locro que servían antaño) y bebidas, todo a precio muy accesible. Sumado ello a la calidad de la obra interpretada por Mauricio Dayub con dirección de Luis Romero, tornan en una opción muy válida la de acercarse un sábado a la noche a ver 4 Jinetes Apocalípticos, autoría de José Pablo Feinmann.
La puesta, monologada con maestría por Dayub, se divide, como su título lo sugiere, en cuatro partes, apocalípticas todas ellas.
Al inicio, un hombre llega a su casa y se encuentra con que su hijo de 19 años se ha amasijado con su propio revólver, justo en momentos en que lo han despedido de su trabajo y su mujer lo ha abandonado para irse a Miami con su mejor amigo. Sobre este escenario tragicómico, el actor navega histriónicamente sobre el exquisito texto de Feinmann y logra momentos patéticos, desopilantes, que hacen que su audiencia se destornille de la risa. Dayub interpreta, además y sin solución de continuidad (un asistente lo ayuda a cambiarse rápidamente en escena), a la mujer y hasta hace las voces de un discurso político y de un genial zapping televisivo, en esta suerte de apocalipsis de la familia.
El segundo cuadro, posiblemente el más destacado, tiene como protagonista a un abogado acomodado cuya representación es sencillamente perfecta. El lego va contando al público una reunión de ex alumnos del colegio, haciendo las voces de cada uno, consiguiendo por momentos dar la sensación de que hubiera varios actores en escena. El texto, en esta parte, parodia hasta el límite de lo posible las distintas vertientes filosóficas y creencias religiosas, y lo hace en forma muy lograda: se mueve Feinmann en un terreno peligroso y lo hace con soltura y sin medias tintas, con agudeza de filósofo y con la capacidad que sólo él posee de adaptar las teorías de los grandes pensadores al aquí y el ahora. Es el apocalipsis de los sueños.
Quizá la tercera parte no resulte tan sólida. Allí encontramos a un maestro de actuación asexuado que contesta el interrogatorio de un oficial de policía a través de su portero eléctrico. También vemos al dúctil Dayub encarnando muy cómicamente a una especie de capo mafia y a su mayordomo. Se burla aquí, el autor, de la formación de estereotipos tales como la lucha de clases, la violencia y la opresión, en el marco de un banquete macabro que oficia como una especie de apocalipsis del amo y del amor.
Cierra la velada un hombre de negocios situado en una de las torres gemelas, precisamente el 11 de septiembre de 2001. Aquí se retrata el apocalipsis del imperio. El texto, manejado con presteza por Dayub, caricaturiza el liberalismo económico de Adam Smith, la política exterior estadounidense, la invasión a Irak y hasta echa un manto de duda sobre la versión oficial del propio atentado.
El apocalipsis de la obra, como es de imaginar, es estruendoso y acompañado de una cerrada ovación que un público muy satisfecho le brinda al multifacético actor, muy bien dirigido por Romero: es que ambos, apoyados en un texto punzante y repleto de humor inteligente, logran que Dayub, en solitario, parezca muchos intérpretes distintos, y todos de calidad.

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El lado oscuro del arte mexicano

2008-07-01T10:43:00.001+02:00

Malba – Fundación Constantini expone, hasta el próximo 11 de agosto, La era de la discrepancia. Arte y cultura visual en México 1968 – 1997, una revisión histórica, académica y crítica de las búsquedas artísticas que se produjeron en los márgenes de la cultura oficial y dominante, desde el movimiento estudiantil del 68, brutalmente sofocado por el régimen del Partido Revolucionario Institucional (PRI) días antes de la inauguración de los primeros juegos olímpicos celebrados en un país “subdesarrollado” hasta la crisis política y social del efecto Tequila de los años 90, que culminara con el levantamiento del Ejército Zapatista de Liberación Nacional (ELZN) en el estado de Chiapas.
La muestra, consistente en aproximadamente 170 obras entre afiches, documentos, fotografías, videos, films, pinturas, objetos y esculturas, creados por más de 100 artistas de distintas generaciones y provenientes de horizontes culturales diversos, que se plantearon transformar formal o políticamente el sentido de producir arte, fue exhibida anteriormente en el Museo Universitario de Ciencias y Artes (MUCA Campus) de la UNAM, entre febrero y noviembre de 2007.
En palabras de uno de sus curadores, Cuauhtémoc Medina, que ofició de guía en la inauguración, “se produce un divorcio entre la sociedad y el arte y las instituciones culturales: aparecen entonces versiones de cómo debía ser el arte opuestas al sentido políticamente correcto, que había entrado en crisis”.
La muestra se divide en nueve secciones ordenadas en forma cronológica. El punto de partida, al ingreso mismo a la exposición, titulado Salón Independiente, en alusión a la asociación de artistas libres de ataduras oficiales que se erigió luego del movimiento estudiantil, presenta una selección gráfica efímera y contestataria, cuyo objeto era revelar paródicamente en las escuelas y universidades los íconos olímpicos, en asociación directa con la denuncia de la represión sufrida. Le sigue Mundo Pánico, dedicada a formas de contracultura como respuesta a la crisis de la racionalidad occidental (crisis religiosa, social, cultural) con eje en el Movimiento Pánico, cuyo exponente principal fuera el artista chileno Alejandro Jodorowsky, residente en México en los años 60 y 70 e introductor de la literatura de ciencia ficción, los cómics y el pensamiento zen como formas de rebeldía juvenil (junto con el rock) de la época: sus fábulas pánicas, con una especie de Zaratustra – padre – maestro zen impartiendo valores a los jóvenes, resulta imperdible.
La sección tercera, intitulada Sistemas, plantea desde el arte estructuralista reformular el concepto de “geometrismo mexicano” y, con ello, la noción de autor (en crisis): el sujeto lírico sustituido por una suerte de máquina de creación. Destacan aquí la serie negación, de Vicente Rojo, el alfabeto visual de Manuel Felguérez y, sobre todo, la serie homenaje a John Cage, de Kasuya Sakai (ver foto), rebosante de fuerza y color. Márgenes conceptuales es el nombre de la siguiente sección, dedicada al arte conceptual, con especial hincapié en la aparición del libro artesanal como soporte y como generación por parte del artista de un circuito de distribución independiente de su producción.
La sección Estrategias urbanas refleja el fenómeno de los grupos activistas organizados para actuar desde el arte sobre lo social. El Grupo Suma, con sus murales y gráficos representando la crisis de la sociedad, Fotógrafos independientes con una exhibición impactante de imágenes pendiendo en la calle desde un tendedero de ropa, con la premisa de acercar la fotografía al pueblo, el Grupo Marzo con sus poemas urbanos (entregaban palabras a la gente de a pie para luego formar poemas con ellas), Germinal con sus diseños desplegados en pancartas, Proceso Pentágono con un pabellón de feria absolutamente genial confeccionado para la bienal de París (desaparecido misteriosamente y en dos oportunidades), el Grupo Mira retratando la violencia en la ciudad de México y el No Grupo, con su crítica institucional plagada de ironía, son algunos de los nuevos actores prolijamente expuestos en este corazón de la muestra.
En Insurgencias, tal el nombre de la sexta sección, se encuentra retratada documentalmente la guerrilla centroamericana en forma desgarradora y cruenta, a través de la fotografía como nueva e independiente forma artística (vale la pena detenerse en la serie de negativos proyectados que plantean la destrucción en todas sus formas: máquinas, edificios, cuerpos). La identidad como utopía, sección de fuerte carga erótica, aborda el arte mexicano de los 80, con eje en el tratamiento de la temática gay, de la mujer y su cuerpo, de la identidad sexual de toda una nación (el porno bordado de Carlos Arias Vicuña resulta revelador).
Cierran la interesante exposición La expulsión del paraíso, sección que alude al multiculturalismo como intento de desprenderse de la globalización, una forma de oposición a los estereotipos de los sujetos sociales impartidos por la cultura de masas estadounidense, y la sección Intemperies, ilustrativa de las prácticas del arte emergente de inicios de los años 90 y de su repolitización a partir del efecto Tequila.

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Una de mutantes

2008-06-30T13:19:00.003+02:00

Otto maneja en silencio por la colectora. Los chillidos de los niños exaltados (generalmente por causa de sexto sentido), se cuelan en sus oídos entre tema y tema. Cada tanto, Goyito pregunta algo acerca de una canción, o comenta alguna banda que conoce porque se la hizo escuchar su viejo rockanrolero. El pibe juna bastante de Led Zeppelin, Pink Floyd, Queen, The Police, Bob Marley. Y Otto ya le enseñó a escuchar The Doors, The Cure, UB40 y, por supuesto, los Stones. Sexto sentido, en cambio, de música no entiende nada, pero parece que le gustan las películas de mutantes, porque en el último tramo, cuando los demás se bajan, tira algo así como: ¿viste Mutantes IV conquistan el planeta Tierra? Otto contesta que no. ¿En serio no la viste?, alquilatela, está buenísima. Otto le dice que no le gustan las películas de mutantes. ¿Cómo no?, pero esta es buenísima, no sabés, mirá, te la cuento, resulta que en un pueblito la gente se empieza a volver mutante y entonces... y después... y en un momento hasta el perro se convierte en mutante... y entonces... y resulta que... Mientras le sangran los tímpanos, Otto vislumbra la puerta del edificio en que vive sexto sentido, lo que equivale a saber que bajará del auto y dejará de hablarle de mutantes, en unos metros nomás, que igual parecen eternos. Pero el niño está poseído y sigue contando detalles de la bendita película mientras desciende en cámara lenta. Otto, que a esa altura ya teme que el pibe se convierta en mutante y le muerda la yugular, lo apura: hasta mañana nene. Chau, chau, mirátela, haceme caso, está buenísima. Te dije que no me gustan las películas de mutantes. Pero esta no te puede no gustar, es buenísima. Bueno, bueno, hasta mañana.

Al día siguiente, baja la bandera y los niños comienzan a acercarse hacia donde espera Otto mirando a ciertas mamitas del colegio desde detrás de sus anteojos negros. Sexto sentido hace colear su mochila 4x4 a milímetros de uno de los pies de Otto y pregunta: ¿Y, la viste? ¿Qué cosa nene? Si viste la película que te dije ayer. No. ¿Por? Porque te dije que no me gustan esas películas. Ufa Otto, si te digo que es buenísima. No me gus tan las pe lí cu las de mu tan tes, ¿qué parte no entendés nene? Pero qué cabezón que sos che, ya veo que nunca te la vas a alquilar, así que mañana te la traigo. Otto ni contesta, pero no puede evitar imaginarse acostado en la cama, con un enorme paquete de pop corn y una coca cola ultra size, mirando una de mutantes...

La Serva Padrona & Acis y Galatea

2008-06-27T17:36:00.004+02:00

Teatro Avenida. Jueves 26 de junio.

La Serva Padrona, intermezzo en dos partes. Música: Giovanni Battista Pergolesi. Libreto: Gennaro Antonio Federico. Originariamente era un intermezzo en la ópera seria de Pergolesi Il prigioniero superbo. Sonia Stelman (Sepina), Sergio Carlevaris (Uberto), Juan Peltzer (Vespone).

Acis y Galatea, masque en tres actos. Música: Georg Friedrich Haendel. Orquestación de Wolfgang Amadeus Mozart. Libreto: John Gay, John Hughes y otros, basado en Las Metamorfosis de Ovidio. Leonardo Pohl (Acis), Soledad de la Rosa (Galatea), Alejandro Meerapfel (Polifemo), Lucas Werenkraut (Damon).

Oscar Barney Finn, dirección escénica. Raúl Bongiorno, escenografía. Mini Zuccheri, vestuario. Eli Sirlin, iluminación. Coro y Orquesta de la Universidad de Buenos Aires. Dirección musical: Andrés Gerszenzon.

Interesante puesta doble de Juventus Lyrica en el precioso Teatro Avenida, la de la ópera buffa La Serva Padrona, de Pergolesi, combinada con la composición barroca Acis y Galatea de Haendel, modernizada orquestalmente por Mozart. La obertura de la Oda a Santa Cecilia, también de Haendel, tocada con soltura por una orquesta muy convincente, dio paso a la introducción, en la que dos actores (uno en idioma italiano, el otro en inglés bien británico) se disputan graciosamente el primer lugar en la representación. Y triunfa La Serva Padrona, que comienza luego de un cruce desdeñoso entre las protagonistas de ambas obras.
Esta pieza breve y cómica, nacida como intermezzo de ópera seria para entretener a los espectadores, narra en forma natural y fresca la historia de Uberto, un solterón altanero manipulado por su criada Serpina, cuya única y constante obsesión es casarse con él y pasar, precisamente, de sierva a patrona. Es muy acertada aquí la escenografía, sencilla mas dinámica y original, de Raúl Bongiorno: los propios intérpretes se encargan de mover sobre el escenario los pocos recursos utilizados y la segunda parte es presentada boxísticamente con un cartel. Ello, sumado al hermoso vestuario escogido por Mini Zuccheri, le otorga una base de credibilidad imprescindible al hilo narrativo, exaltado por las brillantes interpretaciones de ambos protagonistas.
El histrionismo y la perfecta dicción del bajo Sergio Carlevaris subsanan con creces su por momentos baja fuerza vocal, con unas dotes actorales difíciles de hallar en el género: es genial su interpretación del amo engreído y a la vez dubitativo que acaba dejándose manipular por su criada. Su pacato Uberto, de movimientos cortos pero efectivos, derrocha una enorme gracia y expresividad que, con reminiscencias del gran Alberto Sordi en los gestos y las miradas, hace reír y mucho.

La bella soprano Sonia Stelman, de su lado, entrega una Serpina de gran porte, muy bien cantada y actuada. Su voz aparece entonada, limpia y afinada y su personaje dotado de mucho humor, en especial en el pasaje en que relata a la audiencia cómo histeriquea y maneja a su patrón, priorizando sus caprichos. La pareja cierra la pieza en forma muy solvente, cantando a dúo y con sus corazones haciendo eco en una orquesta dirigida con presteza por la batuta de Andrés Gerszenzon.
La obra restante, Acis y Galatea, un tanto extensa quizá, no resultó tan felizmente representada. El libreto, basado en la mitología clásica de Ovidio, cuenta la historia de amor entre ambos protagonistas, con un monstruo malvado y acechante (Polifemo) que, obvio es decirlo, pretende a la dama y ataca a su amante.

Debe, sí, resaltarse la interpretación de Galatea de la talentosa soprano Soledad de la Rosa, que fue todo lo brillante a que nos tiene acostumbrados (su cierre final resultó sencillamente magnífico). Un tanto errante y nervioso comenzó el tenor Leonardo Pohl (Acis), con un registro de voz algo acotado, aunque hacia el epílogo se haya recompuesto un poco. No sólo el suyo, sino también el inglés de Werenkraut (Damon) y de uno de los solistas del coro, sorprendieron por su rusticidad y dificultaron una comprensión más precisa de la historia.
Muy bien cantado, en cambio, el Polifemo de Alejandro Meerapfel, aunque su vestuario haya roto el buen tino con que hasta ese momento se había arropado a los personajes (en lugar de un monstruo parecía un jugador de hockey sobre hielo). Resultó, en esta pieza, más discreta la escenografía, la veta actoral e incluso la coreografía, lo que permitió, en contrapartida, un mayor lucimiento del coro (muy correcto en su interpretación grupal) y de la orquesta a la hora de tocar las bellísimas melodías de Haendel.
Una gran idea de Juventus Lyrica, la de cruzar en forma tan simpática dos obras contemporáneas entre sí aunque muy dispares, con interpretaciones individuales descollantes por lo bien logradas (ambas sopranos en punta) y otras con ciertos altibajos, pero que complementadas con una orquesta casi impecable y la calidad general de su enfoque, vestuario y escenografía conforman una propuesta sumamente agradable.

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Los Cafres: fiesta reggae

2008-06-26T16:22:00.001+02:00

El martes 24 de junio tuvo lugar la última presentación de Los Cafres en La Trastienda. Una hora y cuarto aguardó la nutrida concurrencia el inicio del show, pero apenas sonaron los acordes del primer reggae la espera quedó en el olvido. Porque la banda luce aceitada en vivo, suena muy bien y, tanto sus letras como sus melodías son agradables y pegadizas, invitan a cantar y a bailar. Y Guillermo Bonetto, todo de negro –incluidos su sombrero y anteojos-, previo disculparse por la demora y por un supuesto estado gripal (que no afectó para nada su canto durante el concierto), se apoderó de la escena por completo, como es su costumbre en cada ritual cafre.
Una vez más la excusa del show fue presentar, por partida doble, los últimos discos de la banda: Hombre simple y Barrilete. Y luego de llenar el Luna Park poco tiempo atrás y de dos funciones la semana anterior, se encontraron con una Trastienda casi completa. Arrancaron con los temas nuevos Barrilete, Momento y Verte bien, los vientos sonando a la cabeza (preciosa la flauta traversa) y Bonetto moviéndose como una gacela sobre el escenario. Le siguió Mostrame cómo sos, del álbum Quién da más (2004), que ejecutaron enganchada con la bella Tus ojos, perteneciente al disco Suena la alarma (1997).
El cantante, que supuestamente estaba engripado, se lució en la interpretación de las nuevas Agua e Isla (en ésta última volvió a destacarse la flauta traversa). Y dio paso a La foto de Zapata, incluida en Instinto (1994) e Instinto dub (1995, gran versión), enlazada sin interrupciones con Hijo, también de Quién da más. Bonetto, entusiasmado, decidió entonces quitarse los anteojos para cantar el clásico Aire (versionada en forma exquisita por la banda), a la vez que miraba, sonreía y estrechaba las manos de la gente cercana al escenario. Engancharon una vez más, esta vez con otro clásico: De mi mente, quizá una de las mejores canciones del grupo, en uno de los momentos más celebrados por la gente. Y fue el momento de Loco, cerrado con un solo de vientos muy ajustado.
Hubo entonces un intervalo de unos quince minutos y Los Cafres regresaron para hacer varias canciones más. Y Bonetto siguió cantando: en inglés, cambiando el registro de su voz, bailando como sólo él lo sabe hacer, actuando e interactuando con su público: por momentos se asemeja a un encantador de serpientes o, mejor dicho, si nos atenemos a sus movimientos, a la propia serpiente cuando baila encantada.
Los vocalistas de Iluminate, invitados para la ocasión, rapearon a más no poder la letra de Hombre simple en forma muy lograda. Y fue ésta, probablemente, la perla de la noche, porque la versión fue arrolladora y deliciosa.
Corazoncito fue el momento de máximo lucimiento para los solventes vientos de la banda y la oportunidad que encontró Bonetto para despedirse de la gente hasta la próxima ocasión. Porque luego vino el cierre a todo reggae, con las clásicas Si el amor se cae, Bastará (a toda voz rastafari) y La receta, que convirtieron a La Trastienda en una verdadera fiesta de ritmo y brazos en alto.

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Antonio Birabent: solo en la calle Corrientes

2008-06-25T17:02:00.000+02:00

Antonio Birabent es un tipo sencillo, que gusta de compartir sus numerosas canciones (cuenta con diez discos en su haber) y generar una intimidad con su público. Así lo ratificó el domingo 22 de junio en el Teatro Metropolitan de la calle Corrientes, en un concierto llano y algo solitario, que arrancó sin demasiadas pretensiones y de forma muy agradable, aunque luego finalizara con la asunción de ciertos riesgos innecesarios no del todo bien resueltos.
Un poco más tarde de lo esperado, el músico – actor se presentó en soledad, munido únicamente de su guitarra acústica y guarecido bajo un saco y un sombrero oscuros. Previo autodenominarse como un producto de las ciudades (un “ser urbano”), abrió la noche, precisamente, con un tema de su álbum Buenos Aires (2003), llamado Bienvenida seas, para seguir con Demoliciones, del disco homónimo, compuesto en Montevideo.
Luego de homenajear a las dos orillas del Río de la Plata, echó mano de un termo lleno con té de jengibre que lo acompañaría en gran parte de la velada y que luego trocaría por un vaso de vino tinto. Birabent adujo estar mal de la garganta, pero lo cierto es que no se notó: su voz lució clara en cada interpretación.
El show prosiguió con la conocida Hombres justos, de su disco Tiempo y Espacio (2005), cuya versión en estudio fue grabada a dueto con Pity Álvarez, y luego con Río en espiral, una bella canción ejecutada con armónica y guitarra eléctrica, que para orgullo del cantautor fue grabada por dos grandes: León Gieco y Mercedes Sosa.
Fue el turno de otra letra dedicada a Buenos Aires, la interesante Sos verano, precedida por el chillido de un niño mezclado entre la audiencia. Birabent fue grabando su propia base en escena mientras le hablaba a su ciudad: primero unos golpeteos sobre su guitarra, luego un acorde y otro, un pequeño solo y, finalmente, distintas voces. El resultado fue satisfactorio y novedoso y acabó con el músico bajando el volumen justo antes de que las luces se apagaran. Una lástima que con el correr del concierto terminara abusando de su propia originalidad, convirtiendo la rareza en recurso, con el consecuente desvanecimiento de su efecto inicial.
Una banda que sonó poco pero muy bien, compuesta por batería, guitarra, bajo y trombón, se unió al anfitrión para hacer otras dos canciones de Demoliciones (2007): El fuego que está por venir y la hermosa El sueño de la ciudad (también dedicada al Uruguay). Y quedó sabor a poco, porque el acompañamiento se retiró y, hay que decirlo, la fuerza escénica y sónica había escalado con mayoría de músicos en acción. Pero Birabent, desde el título de su concierto: “Solo en la calle Corrientes”, ya había apostado por este formato.
Sin embargo, la retirada de la banda dio lugar a la aparición de los invitados. Ariel Minimal se le sumó en otra composición del cd Buenos Aires: El fin de la noche, en lo que fue uno de los puntos más altos de la noche. Luego hubo una devolución de gentilezas e hicieron un tema de Pez, la banda del visitante. Y le siguió una osadía vaticinada por el propio Birabent: la interpretación a dos voces (con algunos desajustes), sin micrófonos y acompañados por dos pequeñas guitarras, junto con Lisandro Aristimuño, de dos viejas canciones de Anatomía (2000), aquella que le da nombre al disco y Aishteru (te amo en japonés). Quizá haya sido desacertado correr menudo e innecesario riesgo.
La versión de la beatle You´ve got to hide your love away que le siguió, en cambio, estuvo muy bien. Y continuó in crescendo la atención de su público (que fue indulgente con los reiterados tamborileos del cantautor sobre su guitarra), con la clásica Salgo a caminar y con Una vez, ambas de su debut discográfico Todo este tiempo (1994).
Hubo tiempo para un estreno, el tema inédito Te lo ruego (muy interesante), y también para la bella y eléctrica Madrid (gran letra), del disco Azar (1997), aunque fue aquí que comenzó su insistencia con la grabación de sus bases en el escenario, recurso que logró deslucir el tema Libélula (otro de Azar) que posiblemente hubiese sonado más convincente respaldado por su banda, sobre todo a la vista de la ajustada performance de ésta (con guitarra slide incluida) a su regreso para hacer Viejo barrio (los músicos de la banda se limitaron a tocar canciones del último disco) como despedida.
El bis volvió a encontrar a Birabent solo frente a su público. Dos canciones más, entre ellas Guitarras rotas. Y todavía un poco más de grabación en escena. Final con armónica y linterna apuntando al público para un espectáculo con ciertos altibajos: bellas letras, camaradería y agradables melodías entre sus puntos altos, apelación reiterada a recursos que se agotaron al momento de su utilización primigenia, entre sus desaciertos.

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JOSS STONE: un show brillante

2008-06-24T15:20:00.000+02:00

Segunda función de la joven cantante británica en el Luna Park, el sábado 21 de junio. A las 21.30 hizo su aparición la sólida banda que la acompañó en su paso por Buenos Aires, compuesta por músicos de largo recorrido histórico por el soul (algunos de ellos, como el saxofonista Christian Lohr, tocaron con el mismísimo James Brown). E instantes después, descalza, ella se adueñó del escenario para el resto de la velada. Es que Joss Stone no sólo canta con el alma sino que conjuga su privilegiada voz con una inocencia y una gracia de movimientos que logra una comunión absoluta con su público, que no hace más que disfrutar en la hora y media que dura el espectáculo.
Arrastrando sus pies desnudos sobre las alfombras persas colocadas al efecto, comenzó con Girl they won’t believe it y fue respaldada en cada interpretación por tres simpáticos coristas que hicieron las delicias de la gente con sus histriónicas coreografías. La sincronizada base de batería, guitarra y bajo fue siempre acompañada con solvencia por dos instrumentos de viento (saxo y trompeta) y dos teclados. Siguieron Head turner y la preciosa Tell me what we’re gonna do now, que arrancó la primera ovación de la noche de un Luna Park casi completo. Y Stone, sencillamente arropada con un pantalón blanco suelto y una musculosa azul (con ciertos detalles seudo hippies, como un largo pañuelo violeta a modo de cinturón y abundante bijou), se brindó por completo, dando rienda suelta a su ternura y sus seductores desplazamientos. Un efusivo grito de la platea masculina: “Te quierooo”, fue el prolegómeno perfecto a la celebrada Super Duper Love, uno de los puntos altos de la noche, con la gente de pie acompañando con su baile, su canto y sus palmas.
La británica es una especie de niña grande. Interactúa de manera naive con la audiencia, ríe constantemente (por momentos hasta se tienta de la risa), pero a la hora de cantar lo hace como una experta, como una de las grandes damas del soul, demostrando que no se trata de la joven promesa que era al momento de surgir en su adolescencia, sino que ya representa un valor absolutamente consolidado. La forma en que interpretó Fell in love with a boy, pidiéndole al público que lo sienta y coree, susurrando, por momentos casi a capella, fue su prueba más cabal.
Stone posee, además de una gran voz, mucha gracia. Corre de una punta a la otra del escenario, hace competir en canto a los distintos extremos del estadio, se arrodilla en el suelo y se compenetra mucho en sus canciones de amor. Y también se hace tiempo tanto para tomar una taza de té en plena interpretación como para bailar en forma muy sexy y usufructuar su enorme atractivo, porque ella sabe que es linda y lo usa en el buen sentido.
Continuó el show con preponderancia de temas de su álbum debut: The soul sessions. Y Stone siguió divirtiéndose con su público, explicando una canción dedicada a su familia, amenazando con retirarse si no cantaban con más ganas y rogando que la dejaran ponerse seria para poder interpretar una canción triste (la conmovedora The Chokin Kind). En Music fue acompañada inicialmente sólo por un piano, para luego incorporarse en gran forma el resto de la banda, con especial lucimiento de los vientos.
Llegó el turno de repasar su segundo disco: Mind body & soul. Se sucedieron entonces las animadas Don’t cha wanna ride?, Less is more (con un perfecto comienzo de reggae) y el hit You had me, otro de los puntos altos de la noche, en un clima perfecto, con un ensamble sin fisuras entre la poderosa voz de Stone y su virtuosa banda tocando cada tema como si fuese el último (guitarra, trompeta, todo sonaba bien). Y el público, de parabienes, bailando a más no poder.
El final, con Tell me about it (dedicada “a todas las chicas”), permitió la presentación y un pequeño solo de cada uno de sus virtuosos músicos, y encontró a la cantante nuevamente corriendo, a lo Jagger, de un extremo a otro.
Y hubo tiempo aún para un festejado bis, con Right to be wrong, que casi no pudo terminar de cantar a la luz de los celulares de todos los presentes, a causa de la tentación que no le permitía dejar de reírse. La preciosa versión del clásico No woman no cry y Stone haciendo equilibrio entre los parlantes para poder llegar más lejos en su ofrenda de repartir, de a una, un ramo de rosas a su público, fue la postal perfecta de un show brillante, probablemente el mejor que se haya visto en este año 2008 por estas latitudes.

(publicado en http://www.ocioenbsas.com.ar/)

Nada fue un error

2008-06-23T09:57:00.000+02:00

(para vos... y para mis queridas chancles)

Mi amigo el punky

2008-06-22T17:54:00.000+02:00

"...A la literatura argentina contemporánea le falta mucho rock. No es que no haya, porque lo hay; mi generación lo asimiló bien, no agarró los detalles más decorativos sino que depuró una ética: las lecturas, la autogestión, hacerlo vos mismo, pelearla más. En la década del ’90 era todo tan agresivo que te ibas endureciendo. En mi generación hay una ética más ligada al rock, a lo grupal, a cuestionar ciertas imposturas y a no digerir las cosas tan rápido..."

(la nota completa a Terra del jueves en Página 12, acá)

Un secreto

2008-06-21T13:12:00.000+02:00

Un niño frágil y temeroso. Unos padres deportivos y esbeltos. Un hermano fantasma. Un entorno silenciado. Partiendo de esos elementos el director Claude Miller irá revelando, pista por pista, un enigma: el secreto que da título a la película y a la novela homónima y autobiográfica de Phillipe Grimbert en que ésta se basa.
Filmada invirtiendo el orden habitual del blanco y negro y el color (en este caso aplicado al pasado), la voz en off de ese niño alicaído y decepcionante para sus padres (ahora un asistente social adulto) dará paso a la narración de la trágica historia de la familia, siempre en tiempo presente, primero en la posguerra y luego, más atrás, en una tercera secuencia temporal, en la Francia ocupada de la segunda guerra mundial. Pero más no se puede contar sin revelar la trama de la película.
Sí decir que Miller, contemporáneo de Grimbert, autor de la novela y protagonista de la película, pertenece al igual que éste a una familia judía no religiosa, lo que probablemente nutre al film de una doble visión autoreferencial. Pero el director logra, tomando al grupo familiar en particular, hacer un retrato bastante fiel de la época, nutriéndose de imágenes documentales y evitando echar mano a golpes de efecto o imágenes de alto impacto.
Obtiene, así, un resultado muy fuerte con un tratamiento lateral del holocausto, ilustrando en forma implícita la persecución física y asesina sufrida por el pueblo judío, y más explícitamente la brutal afección psicológica que perdura hasta nuestros días. Es, en ese sentido, original el abordaje de una temática largamente tratada en el cine y satisfactorio el resultado de la propuesta.
El elenco, por su parte, se muestra solvente en general, especialmente las dos protagonistas Ludivine Sagnier (Hannah) y Cécile De France (Tania), ésta última dueña de una belleza perturbadora ideal para su personaje. Destaca la impecable fotografía de Gerard de Battista, aunque uno se quede con ganas de ver un poco más de París.
Un secreto es básicamente una película dura, que evita caer en golpes bajos o melodramáticos pero a la vez resulta muy emotiva, la narración de una historia sólida, vívida e interesante. Pero, por sobre todas las cosas, es un homenaje digno y sobrio a un pueblo tan maltratado a lo largo de los tiempos.

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Antigua Jazz Band

2008-06-20T17:00:00.000+02:00

Cuarenta años de jazz tradicional negro. A la vieja usanza. Esta orquesta es un prodigio musical imperdible. Con la atenta dirección del guitarrista Pablo Scenna (que ejecuta, también, el banjo con solvencia), pendiente de cada mínimo detalle de los suyos, ofrenda a los espectadores un concierto lleno de virtuosismo, con el marco ideal para sus presentaciones de un Teatro Maipo que cada día luce más bello.
El ritual comienza con los músicos ingresando uno a uno en escena, ensamblándose en forma sincronizada cada cual con su inmediato predecesor: se suceden así la batería, el contrabajo, el piano, los saxos (alto, tenor y barítono), el clarinete, las trompetas, el trombón y finalmente la guitarra de Scenna, para completar la formación base.
Puntapié inicial con Take the A train, de Billy Strayhorn (un clásico, escogido por los Rolling Stones para abrir su álbum en vivo Still life) y, a partir de allí, una recorrida por grandes canciones del jazz tradicional, abundante en solos instrumentales de lo más variados y lucidos diálogos de los vientos entre sí, con el piano, las cuerdas (estos muchachos todo lo hacen parecer fácil).
El director de la orquesta, entre una y otra interpretación, se hace tiempo para ponerle una cuota de humor a la velada, para explicar al público detalles de la afinación alternativa de una guitarra y llevarlo de paseo hasta el origen del jazz, sus recursos y sus instrumentos artesanales.
Mientras tanto, van subiendo al escenario distintos actores: Osvaldo Ferrer para cantar un par de blues muy sentidos, el miembro fundador (de la agrupación) Osvaldo Ricci, ejecutante del particular peine de viento, una verdadera rareza (“tocar bien el peine es como peinarse con una trompeta”, así lo introduce Scenna) y muy dúctil también al momento de cantar o bailar y, como aditamento extra, los lujosos invitados convocados para esta segunda fecha del 16 de junio.
El primero, el pianista Jorge Navarro, por carisma y por solvencia, se convierte prontamente en uno de los dueños de la noche: toca con el alma, a lo Jerry Lee Lewis, y culmina su número con un solo impactante. Es el turno de Ligia Piro, dueña de una voz maravillosa, especialmente propicia para la ocasión. Su vestuario, un tanto rimbombante, no le impide dejar alelado al público con su interpretación de Cry me a river, esa bella canción de Arthur Hamilton que hiciera famosa Diana Krall. Por último, el luthier Daniel Rabinovich irrumpe en escena para ejecutar un enorme y circense instrumento de viento, dotado de numerosas variantes orales y manuales, acompañado por el coro vocalizado de todos los integrantes de la orquesta.
Es un verdadero lujo para Buenos Aires contar con una agrupación del calibre de la Antigua Jazz Band, que no sólo aborda los distintos ritmos del jazz casi a la perfección, sino que también se anima a trasponer límites hacia la música country o el charleston (con un toque de color aportado por dos formidables parejas de bailarines), con oportunismo para el lucimiento de cada uno de los instrumentos. Potencia, sincronización y esplendor transmiten estos músicos que, se nota, disfrutan plenamente de lo que hacen y, lo que es más importante, gustan de compartirlo con el público.

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Un show casero

2008-06-20T12:52:00.001+02:00

Alfredo Casero es un artista de culto que puede darse el lujo de improvisar sin tregua ni hilo conductor, burlarse de cualquier cosa, cantar en japonés y hasta en griego. Su estilo puede a uno gustarle o no, pero él ya se ha ganado la simpatía de un público prácticamente incondicional que, aunque en forma algo permisiva por momentos, celebra cada uno de sus comentarios.
Su nuevo show, Soloist, que se da en La Trastienda en la medianoche de los fines de semana, encuentra al artista en estado puro. Luego de una intro grabada, muy delirante, a lo Cha cha chá, exhibida a los espectadores en una pantalla grande, el enorme cómico (en todo sentido) se presenta acompañado de un pianista que se encarga de ir ambientando el clima propuesto en el atolondrado monólogo.
Casero sabe muy bien lo que la gente quiere y se lo brinda con creces. Desde pequeñas alusiones a la realidad política y social (siempre abordada por su veta humorística) hasta retratos de situaciones cotidianas de lo más banales (cuenta que no puede comer sushi en lo de una amiga que tiene un perro que se pasea por el living con el ano a la vista o que se trenzó a golpes de puño con una tía vieja que lo prepoteó), echa mano de todo lo que tiene a su alcance para arrancarle montones de carcajadas a su fiel audiencia.
Sus improvisaciones son por momentos muy logradas, Casero maneja los silencios y hasta la risa del público con maestría, aunque en algunos pasajes caiga en ciertos lugares comunes o resuelva una encerrona de su propio discurso recurriendo a la puteada fácil o al reparto de un par de cachetazos. Pero en líneas generales el espectáculo es sumamente entretenido.
Tal vez lo más original de la experiencia, del verlo en vivo y no pantalla de por medio, sea la intimidad que logra construir con el público en varias partes del show, como cuando el cómico cuenta su fluida experiencia en el Japón, su relación con la televisión, con la gente en la calle, con su colega Capusotto, o su constante búsqueda de nuevas formas artísticas (particularmente en el canto). Allí se despacha con una arenga: “si quieren hacer cosas, háganlas mal, pero háganlas, sin esperar el apoyo de nadie” y sorprende con la interpretación de dos canciones en idioma griego, acompañado por una pequeña orquesta de músicos típicos.
El artista de varieté y cantor, como a él mismo le gusta definirse, satisface largamente a un público muy reidor, que por instantes hasta lo hace tentar y lo aplaude sin pausa a lo largo de toda la noche, en las más de dos horas que dura la presentación. Y él mismo se divierte mucho, se parodia a sí mismo: “¡pueden creer que hay gente que dice que improviso!” y se lo nota sincero y contento. Un ida y vuelta perfecto. Está bien.

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El Otro Yo explotó en Obras

2008-06-19T15:04:00.001+02:00

Los hermanos Aldana presentaron su último disco, Fuera del tiempo, en el Estadio Pepsi Music (o Estadio Obras), el sábado 14 de junio. Con el grueso de la gente en un campo casi colmado y un fin solidario (los asistentes llevaron alimentos que la banda destinará a un comedor del conurbano sur), el show comenzó pasadas las 21.30 con María Fernanda cantando Apocalipsis y Locomotora, dos temas del nuevo álbum, mientras Cristian, metido dentro de un mameluco blanco, saltaba de aquí para allá con su guitarra, a lo Angus Young (junto con Gabriel Guerrisi hicieron estallar las guitarras), y el joven público se debatía en una marea de cabezas y un pogo casi constante acompañado de consignas anti stones.
Siguió la clásica 10.000.000, una gran canción, interpretada muy convincentemente por Cristian, que resultó más claro a lo largo de la noche. La voz de ella, por momentos, no se percibía tan nítidamente, lo que de todas formas no le impidió desarrollar Cometa y Sádico, del último disco, y la potente Auto destrucción (con imágenes alusivas en pantalla), correspondiente al álbum Espejismos (2004). Cristian volvió a tomar la posta para hacer una poderosa canción del último cd: Corazones (con reminiscencias pistols) y seguir luego con dos más melódicas, la conocida Me harté y otra nueva, Alma gemela, de hermosa letra (“ya no estamos tan lejos y nos hace bien”).
Mientras la pantalla del fondo reproducía a la banda en vivo, se sucedieron más canciones del nuevo disco. María Fernanda pudo sacar provecho de su vestuario de seudo colegiala y hacer gala de su voz angelical en Final del planeta y, sobre todo, en la preciosa Hoy te espero (con gran final del tecladista Diego Vainer). A dos voces hicieron Despedida de arroz (con imágenes de casamiento en pantalla, a lo Matrimonios y algo más), otra bella (y más lenta) letra (“como agua entre los dedos se nos escurre la vida”) y encabezó Cristian en Amor fuego y Sensación especial, ésta última también con lucidos teclados y acompañada de guitarra acústica.
Fuera del tiempo fue interpretada con mucha solvencia y claridad por María Fernanda e inmediatamente después, se sucedieron algunos problemas de sonido cuando su hermano cantaba Tiki tiki nowa (se cortó la voz), Denso (algún acople de más), ya solucionados para Delirio universal, gran tema (“a la hora de la verdad todo es mentira”) cerrado por el baterista Raymundo Fajardo con un impresionante solo, quien luego se retiró de la mano de un pequeño extraterrestre vestido de dorado, a la vez que caía el telón.
La segunda parte encontró a María Fernanda lookeada como un hada (vestido rosa largo) en el cosmos (fondo de estrellas en pantalla), cantando Dibujito acompañada solamente de un piano (un verdadero viaje cósmico). Enseguida ingresó Cristian con apariencia de monje, bajo una capucha blanca, y entre ambos hicieron A volar. Cerró el pequeño acto intermedio la hermosa Descripción, con guitarra acústica y él en voces.
Aún con el telón bajo, comenzó a hacerse escuchar una voz distorsionada (la clásica voz de extraterrestre que se aprecia en el álbum en vivo Contagiándose la energía del otro) que animaba a la gente a bailar. Y una vez que lo levantaron explotó el estadio con La música, uno de los temas íconos de la banda de Temperley. A partir de allí, con los hermanos Aldana en jeans y zapatillas, más rockeros de garage, fue una fiesta total, que siguió con Inmaduro (con Cristian pidiendo palmas), Virus (cantada por María Fernanda, que llevó a la gente muy arriba), ambas del disco Colmena (2002) y Pecadores, otra interesante canción de Espejismos que comienza lenta, alternando las voces de ambos cantantes, y luego se vuelve veloz y potente.
Fue el turno del set violento, con un público hecho pogo en su totalidad, absolutamente descontrolado. Primero un popurrí con Armas de destrucción, Corta el pasto y 69; después se sucedieron, anunciadas por un Cristian algo chillón, A.D.90, La tetona y Sexo en el elevador (con tres guitarras), Crazy y Hombre de mierda (algo inentendibles), que acabó con Cristian arrojando su gorra al público y el baterista destrozando un órgano de juguete.
La despedida fue con tres canciones importantes de la banda. Otro ícono clásico, No me importa morir, que comenzó cantado por un público loco de felicidad, un tema lindísimo que es Alegría, con el siempre previo “alegría para todos ustedes chicos” y Volcán, que cierra el último disco y cerró también el show (con María Fernanda en voz y un buen solo de Cristian en guitarra).
No hubo bises. No hizo falta. El show ya había sido muy intenso, dos horas y media que si bien fueron pausadas por dos breves intervalos, nunca bajaron el alto nivel de tensión musical mantenido por los chicos de El otro yo, allá, bien arriba, para delirio de sus fans.

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Ismael Serrano en el Gran Rex

2008-06-18T18:00:00.001+02:00

El viernes 13 de junio, en el marco de su gira presentación del disco Sueños de un hombre despierto, tuvo lugar uno de los numerosos conciertos que brindó el cantautor madrileño en el Teatro Gran Rex. Y Serrano, que sabe muy bien lo que hace, plantea su espectáculo, desde el primer minuto, como si se tratara de una reunión de amigos en algún bar de Madrid, aunque en todo momento se encarga de que el público se sienta integrado, invitado a esa reunión, como si en conjunto se tratara de un amigo más.

De movida aparecen sus partenaires, primero Fredi Marugán, director musical y encargado de ejecutar con autoridad guitarras y bajo, luego el simpático tecladista Jacob Sureda y, por último, el genial Javier Bergia, un entrañable abuelito que se encarga de hacer reír (a veces a carcajadas) a la audiencia cada dos por tres, principalmente a través de sus desopilantes diálogos con el propio Serrano, que le da el pie constantemente.

Disfrazados de marineros los tres, en un escenario decorado como una suerte de puerto (con redes y salvavidas aquí y allá) y un fondo de atardecer sobre el mar en la pantalla, montan un perfecto clima costero propicio para la aparición del protagonista de la noche. Flaquísimo y muy animado, Serrano se siente a gusto integrando al público, participándolo con sus anécdotas y hasta bromeando con la actualidad local (se ríe por igual de la década menemista y de la adjudicación del tren bala). Y, por cierto, lo hace muy bien, con sutileza y humor. Para ello se sitúa desde un principio en un sitio imaginario, el puerto de Peumayén (en lengua mapuche: lugar soñado) y presenta a sus músicos cual si fuesen personajes de esa comunidad.

El cantautor abre la noche con Somos, de su nuevo álbum y explica que ha echado mano de una frase de Aristóteles para escoger el título (Serrano estudió física en la Universidad Complutense), porque según dice, el filósofo griego “afirmaba que la esperanza es el sueño de los hombres despiertos”. Le sigue la también nueva Canción para un viejo amigo, con gran performance del guitarrista Marugán y, previo hacer alusión al mito de Sísifo y su destino (Serrano tiene ganas de hablar y se nota), toca la hermosa Sucede que a veces, del anterior disco Naves ardiendo más allá de Orión (2004).

Luego presenta Canción de amor y oficina que, según explica, ilustra la relación amor/odio que lo une con Madrid, con “días terribles y noches maravillosas” y continúa con las clásicas Caperucita y La mujer más vieja del mundo, cantadas prácticamente por el teatro en pleno y con teclados muy lucidos. Entre tanto, Serrano crea un pacto ficcional con el público, juega con sus músicos, ríe (principalmente a causa de las ocurrencias del inspiradísimo Bergia), se divierte, interactúa: el feed-back es total. Y sigue otro clásico: la bellísima Vine del norte, que luego le da paso a su homenaje a las madres de plaza de mayo (A las madres de mayo).

Es el momento de más presentaciones, Zamba del emigrante, grabada en estudio junto a su admirada Mercedes Sosa, porque “A Europa la están convirtiendo en una fortaleza inexpugnable”, y la preciosa Si se callase el ruido, con una guitarra rasgada con el alma por Marugán. El público celebra otros clásicos interpretados en forma más intimista, acompañado solamente por una guitarra: Tantas cosas y Ya ves (dedicada al comedor Pelota de trapo); es este uno de los puntos altos de la noche unido a la poética introducción a Recuerdo (tocada sólo junto al piano), una triste y bella canción que habla de un reencuentro en el subte con un viejo amor.

Le sigue un gag imperdible, donde el percusionista le entrega un mensaje dentro de una botella (que acabará siendo un texto del padre de Serrano que es poeta) y juntos cantan Reflejos perdidos, compuesta por Bergia (gran letra). Llegan luego las simpáticas Canción del amor propio y La sonda voyager (con Serrano al bajo) y el turno de los hitazos más celebrados de la noche: Últimamente y Vértigo, ésta última acompañada de una solvente guitarra y cantada con el corazón.

Cierra el show el corte de difusión de su nuevo disco, Cassandra, y otra bonita canción de su álbum debut Atrapados en azul: La extraña pareja, ejecutada con un piano muy poderoso. Pero Serrano la está pasando bien y vuelve a salir una y otra vez. Primero para tocar La cigarra (bastante bien) y Papá cuéntame otra vez, también de su primer disco. Luego hace la nueva Testamento vital y la clásica Ana (aquí deja todo) y finalmente, en su tercer y ya sorpresivo bis, solo frente a la audiencia, canta la exquisita Qué andarás haciendo y, previo disculparse por el atrevimiento y sumársele su pianista, ejecuta una digna versión de Cambalache.

Serrano canta parecido a Serrat, es cierto. Pero eso no implica que lo haga mal, todo lo contrario. Tiene lindas canciones, algunas con letras bellísimas. Y ha sabido rodearse por un grupo de músicos sólidos y simpáticos (chapeau para Javier Bergia) que lo acompañan muy convincentemente. Todo eso, sumado a un planteo conceptual imaginario bastante bien logrado, convierten a su presentación en un show muy placentero de ver y escuchar.

(publicado en http://www.ocioenbsas.com.ar/)

León Gieco y su nuevo compilado

2008-06-18T10:37:00.001+02:00

El viernes 13 de junio en Niceto, con trasmisión en directo para Radio Mega, el carismático cantautor presentó su flamante triple compilado frente a un nutrido grupo de periodistas y público amigo. Por partida triple, tal su título, debió haberse llamado Compartida triple, según confesó León le habría sugerido su mujer poco antes del lanzamiento. Es que se trata de tres discos integrados por rarezas, temas versionados y covers, muchos de ellos compartidos con músicos de los más variados estilos y edades. Y León, como el Rodolfo de su célebre Los Orozco, tocó con todos.
Alternando su canto con respuestas a las preguntas de una entrevistadora radial, el músico interpretó con gran claridad Cinco siglos igual y la preciosa La colina de la vida, acompañado de dos jóvenes en piano y guitarra acústica (la guitarra de León permaneció casi intocable a raíz de algunos problemas técnicos). En charla abierta también con el público, no quiso olvidarse de su admirado Charly García, “alguien que se escapa de todos los cánones”, aludiendo a su genialidad musical y deseando que se recupere porque “en la forma en que está ahora, Buenos Aires está más gris”.
Fue el tiempo de varias zambas, tocadas con maestría por dos guitarristas de Abel Pintos invitados para la ocasión: pasaron entonces Zamba por vos, del gran Alfredo Zitarrosa, Puentecito de mi río de Los cantores del alba y Cuando llegue el alba, homenajeando a Jorge Cafrune y con un percusionista ejecutando el cajón peruano. Entre una y otra, León aprovechó para saludar cariñosamente a los niños de un jardín de infantes llamado La rata Lali (en alusión a su famosa canción), que colgaron una bandera de uno de los balcones, y para contar que entre el rock y el folclore prefiere a éste último, aunque le gusten ambos géneros.
Fue entonces el tiempo de los músicos brasileños, porque Gieco hizo una versión de Mar y luna, de Chico Buarque, y otra de A nuestros hijos, del compositor y pianista Iván Lins, dedicada especialmente: “a los hijos sólo cabe pedirles perdón, por este mundo”. Allí confesó que cuando canta este tipo de canciones, al igual que con La cigarra, le dan ganas de llorar, algo que jamás podría hacer en escena.
Y haciendo gala de su constante papel de embajador de los pueblos sudamericanos: “no existen culturas superiores, yo toco y grabo con todos”, se posó sobre Chile, interpretando el charango en su tributo a Víctor Jara: Plegaria a un labrador (que compuso en el subte en el año 73) y homenajeando por igual a la gran Violeta Parra.
En lo que hace a la entrevista, tuvo tiempo de criticar al actual jefe de gobierno porteño: “no cambió nada en Buenos Aires” y de elogiar, como siempre que puede, a su colega y amiga Mercedes Sosa.
Dos vueltas le tomó, a causa de los problemas técnicos ya mencionados, el inicio de Guitarra, una letra de Atahualpa Yupanqui a la que le puso música, que acabó conformando a todos con una perfecta base del bajista eléctrico invitado para la ocasión.
Para finalizar, no cejó en reivindicar su política de derechos humanos, aludiendo a “la justicia que mira y que no ve” e interpretando la bella La memoria, en tono intimista, solo en el escenario, acompañado de su guitarra y armónica. Y llegó la hora de la despedida, a toda orquesta, con todos los músicos invitados arriba del escenario haciendo El ángel de la bicicleta.
Falta solamente que León se convenza de presentar su flamante compilado en un show en vivo, para la gente, algo a lo que lo está alentando la gente de su discográfica pero que, por ahora, según dijo, no tiene previsto: “tendría que ser algo grande, por la cantidad de invitados, es difícil”. Ojalá que se haga, porque merece la pena.

(publicado en http://www.ocioenbsas.com.ar/)

No te va gustar

2008-06-17T17:31:00.000+02:00

La banda oriental más famosa (junto a La vela puerca) sigue pisando fuerte en Buenos Aires. Con entradas agotadas, brindaron un interesantísimo show el 12 de junio pasado en el Estadio Luna Park. La cita comenzó puntual a las 21 horas, con la apertura del grupo Socios de Uruguay, que hicieron cuatro canciones para ir calentando el ambiente.
Y 50 minutos más tarde, No te va gustar hizo su aparición en el escenario. Sonaron los primeros acordes de Al vacío, de su tercer disco Aunque cueste ver el sol (2004) y la gente se dispuso a disfrutar de un espectáculo que duraría aproximadamente 2 horas y media. Emiliano Brancciari y los suyos dieron cuenta de su experiencia y su talento, porque la banda no sólo sonó realmente bien sino que también lució aceitada como un reloj (con la destacable solvencia de sus instrumentos de viento, en especial en el tema No hay dolor, de su segundo álbum, Este fuerte viento que sopla, editado en 2002).
Antes ya habían interpretado, de este mismo disco y con gran acompañamiento de una audiencia muy familiar, en la que podían verse desde niños pequeños hasta gente adulta de ambos sexos, Más mejor, Te quiero más y La única voz, e incluso la más moderna Vivir muriendo, del último cd Todo es tan inflamable (2006).
Fue el turno de uno de los temas nuevos que anticiparon en la noche del Luna, perteneciente al próximo disco, con fecha tentativa de salida el 25 de julio: Niño, anteriormente llamado Tu lugar. Una muy original versión de No lo ves, también del cuarto álbum, y los sinceros agradecimientos al público por parte del cantante y líder Brancciari, fue lo que siguió antes de que la banda abriese el arcón de los recuerdos, anunciando que resucitaría algunas canciones de su álbum debut Sólo de noche (1999): Cosa linda y Déjame bailar. Y luego de Ya entendí, otro tema de la tercera placa, subió al escenario el uruguayo Marcelo Fernández, de Buenos muchachos, para tocar la guitarra como invitado en la interesante En la cara, del último disco.
La soledad, Solo y Verte reír se sucedieron a partir de allí sin solución de continuidad, como enganchadas, llegando incluso a ensamblarse con Nada para ver (con un impactante solo del saxo tenor Mauricio Ortiz, muy celebrado por el público), alternando a los brincos entre los tres primeros discos de la banda.
Fue entonces el momento de otro estreno: Tu nombre, tema dedicado por el guitarra y voz Brancciari a su hermana, y el turno para otra canción del tercer disco, la bellísima Cielo de un solo color. Y vuelta al segundo álbum, con No necesito nada, Clara, Tenés que saltar y Me cuesta creer. En el medio y al final de la seguidilla, sonaron El oficial (con una gran intro a dos baterías y los integrantes de Buenos muchachos como invitados especiales) y Pensar, ambas del último disco.
Y aquí algo para resaltar: la solidaridad característica uruguaya, evidenciada no solamente por el grupo soporte y los invitados, sino también porque los muchachos de No te va gustar se dieron el gusto de hacer en vivo Zafar, de la banda compatriota La vela puerca (cantada a capella), y de cederle el micrófono al cantante de Once tiros (otro grupo uruguayo) para que interpretara Fuera de control.
Prácticamente a la medianoche se despidieron con No era cierto, otra perla del primer disco, pero ante la insistencia de un público entusiasta aunque tranquilo, salieron para el clásico bis, que comprendió Voy, del tercero, y los temas Mucho más feliz y Te voy a llevar, ambos del segundo.
Y la gente se retiró muy contenta a casa. Es que habían pasado dos horas y media de buena música, con una calidad de sonido casi perfecta, una puesta en escena excelente y una banda en gran forma, aceitada y solvente. Muy buen show de No te va gustar.

(publicado en http://www.ocioenbsas.com.ar/)

(gracias romi por la autoría intelectual)

Y en verano...

2008-06-17T10:12:00.000+02:00